　2026年9月30日午後8時、渋谷で長年愛されてきた「西武渋谷店（A館・B館・パーキング館）」が58年の歴史に幕を下ろしました。

　この記事では、1968年の開業からファッション・カルチャーを牽引してきた歩みを振り返るとともに、営業終了に至った背景と、「そごう・西武」が描く今後の戦略までを分かりやすく解説します。

## 「若者の街・渋谷」を創り出したデビュー
　1968（昭和43）年、東急グループの本拠地であった渋谷の宇田川町エリアに開業しました。当時はまだ落ち着いた大人の街という印象が強い場所でしたが、この進出が街の風景を大きく変えるきっかけとなります。

　旧セゾングループを率いた堤清二氏の指揮のもと、「新しい生き方や文化を提案する場」として誕生しました。それまでのファミリー層向け百貨店の枠組みを打ち破るような、感度の高い若者をターゲットに据えた先進的なコンセプトは、のちに「若者の街・渋谷」と呼ばれるカルチャーの原点となったのです。

## DCブランドブームと「セゾン文化」の咲き誇り
　1980年代から1990年代にかけ、日本のファッション史における重要拠点としての地位を確立します。

　川久保玲氏や山本耀司氏をはじめとする新進気鋭のデザイナーズ＆キャラクター（DC）ブランドをいち早く導入し、「ファッションの西武」というブランドイメージを決定づけました。また、1987年に開業した隣接する「渋谷ロフト」や近隣の「渋谷PARCO」と連動しながら、美術展や音楽、文芸などの現代アートを取り入れた空間を創出します。

　こうして芽生えた「セゾン文化」は、1990年代の「シブヤ系」に代表される音楽やストリートファッションの土壌を育み、世界中のクリエイターが注目するトレンド発信地へと成長しました。

## 変化への挑戦：リブランディングと直近の取り組み
　2000年代以降、ファストファッションの台頭やEC市場の急速な拡大により、百貨店業界全体が変革を迫られました。

　西武渋谷店も時代の変化に対応すべく、「Art & Design」をテーマにした大規模なリノベーションを実施します。デザインオフィス「nendo」との協業による先進的な館内デザインや、若手現代アーティストをフィーチャーしたギャラリー施策を展開し、感性豊かな顧客層の開拓を図りました。さらにインバウンド需要を取り込む施策にも注力し、常に挑戦を続けてきました。

## 営業終了に至った背景
　半世紀以上にわたり渋谷のシンボルであった同店が閉店という決断に至った大きな理由は周辺街区の都市再開発計画に伴う土地・建物所有者との協議決定です。

　2024年7月、土地建物の権利者から再開発着手が通知され、明け渡しが求められました。そごう・西武側は賃貸借契約の継続を含めて交渉を重ねていきましたが、再開発全体の合意には至らず、契約の満了に伴い営業終了という判断を下すこととなったのです。

　今回の閉店対象はA館・B館・パーキング館であり、隣接する「渋谷ロフト」および「モヴィーダ館」については今後も営業を継続します。また、勤務していた社員の雇用も社内配置転換により継続される方針が発表されています。

## 株式会社そごう・西武の今後の方針
　営業終了は、経営再生に向けた「事業構造の選択と集中」における重要なプロセスでもあります。現在、親会社である投資ファンド（フォートレス・インベストメント・グループ）のもと、同社は以下のような投資改革を進めています。

1. **旗艦店へのリソース集中:** 池袋本店などの主要店舗に対して集中的な投資を行い、収益性と価値の極大化を図る。
2. **資産価値の最適化と新規フォーマットの追求:** 従来の百貨店モデルにとらわれず、テナントミックス型や体験型要素を取り入れた高効率な店舗展開を目指す。
3. **渋谷エリアにおけるカルチャーの継承:** 営業を継続する「渋谷ロフト」および「モヴィーダ館」を通じて、培ってきた情報発信力を維持しつつ、跡地の再開発がもたらす新しい都市像の中で次なる存在感を模索する。

## 終わりに
　1968年の開業から2026年の閉店まで、西武渋谷店が遺したレガシーは、「新しい価値を街に提示し続けた革新性」です。

　若者に新しいライフスタイルを提示したように、その魂は形を変え、新たな再開発とともに誕生する未来の渋谷へと受け継がれていきます。歴史の一つの区切りを見届けつつ、変わりゆく街の発展に引き続き注目していきましょう。

西武渋谷店が2026年に58年の歴史に幕を閉じます。若者文化の発信地として渋谷の発展を牽引し続けましたが、再開発に伴い閉店が決定。今後は旗艦店への集中投資や新業態への転換を進めつつ、渋谷のカルチャー継承も目指します。

「西武渋谷店」58年の軌跡：文化を創った百貨店は、なぜ幕を下ろしたのか

　2026年9月、独立行政法人国立美術館は、運営する全国6施設の所蔵作品展（コレクション展）および上映会における観覧料金を、2026年10月以降順次改定すると発表しました。

　これまで親しまれてきた常設展示ですが、一般料金が現行の300円〜500円前後から一律1,000円へと引き上げられ、実質2〜3倍の大幅な改定となります。

　なぜこれほど思い切った値上げが必要となったのでしょうか。そして、この変化は私たちの鑑賞体験や文化環境にどのような影響を与えるのでしょうか。改定の背景から施設別の新料金、観覧者に与える懸念点などを詳しく解説します。

## 主な改定内容と施設ごとの適用スケジュール
　東京国立近代美術館、国立西洋美術館、国立国際美術館、京都国立近代美術館の4館では、これまで430円〜500円だった一般料金が1,000円に変更されます。石川県にある国立工芸館では現行の300円から1,000円へと引き上げられ、国立映画アーカイブの上映料金も一般520円から1,000円へと改定されます。改定時期は2026年10月以降、施設ごとに順次適用される予定です。

　一方で、教育的配慮やバリアフリーの観点から維持される措置もあります。高校生以下・18歳未満の人、65歳以上の人、障がい者手帳を持っている人とその付添者1名についての無料措置は、改定後も継続されます。

## なぜ大幅値上げに？改定に踏み切った背景
　この背景には、文化施設を取り巻く切実な事情が存在します。

　まずは、施設管理と運営にかかる経費の増加です。美術館は貴重な文化財を適切な状態で保管するため、24時間365日休むことなく温度や湿度を厳格に管理しなければなりません。近年の世界的なエネルギー価格の高騰は、これらの空調維持費や照明費を直撃しています。さらに、美術品を安全に搬送するための輸送費、館内の監視・警備コスト、展示空間を作る造作費なども物価高に伴って軒並み上昇しています。

　さらに、国や財務省が推進する「自己収入拡大」という財政方針があります。施設に対する運営費交付金が削減傾向にある中、公費だけに依存するのではなく、施設自らが必要な財源を確保することが求められるようになりました。ルーヴル美術館やメトロポリタン美術館をはじめとする海外の主要美術館の観覧料が数千円規模であることと比較しても、日本の国立美術館の常設料金はこれまで低廉に抑えられていました。国際的な基準への適応やインバウンド需要を見据えた適正価格への是正という側面も含まれています。

## 値上げでどう変わる？対価として還元される鑑賞体験
　観覧料の改定は利用者にとって負担増となりますが、集められた財源は展示環境やサービスの質的向上に還元されることが提示されています。

　国立美術館が掲げる還元策としては、約16万点に及ぶ貴重な所蔵作品の修復や保存処理の強化、デジタル技術を活用した多言語解説システムの導入、ピクトグラムの充実といったアクセシビリティの改善が挙げられます。作品を並べて見せるだけでなく、時代の変化に対応した快適で魅力的な鑑賞環境を整えることが期待されています。

　さらに、併設されているカフェやミュージアムショップといったホスピタリティ空間の充実も期待されており、アート鑑賞を含めた施設全体での体験価値を高める取り組みが進められます。

## 値上げによる懸念点とこれからのアート鑑賞
　今回の改定にあたり、懸念されているのが「ふらっと立ち寄る気軽さの喪失」です。500円以下で鑑賞できた時代は、散歩の途中や買い物のついでに短時間だけ名画を眺めるといった自由な楽しみ方ができました。しかし、1,000円という価格帯になると、気軽に足を運ぶ心理的ハードルが上がってしまう可能性があります。特に若年層や、日常的に通っていたリピーターの足が遠のくリスクは否定できません。

　また、話題性の高い期間限定の特別展（企画展）ばかりに注目が集まり、根幹である所蔵コレクションの魅力が埋もれてしまわないかという課題も残されています。誰もが気軽に質の高い美術に触れられる公的な場としての「文化アクセシビリティ」と、持続可能な運営を目指す「収益性」のバランスをいかに取るかが問われています。

## おわりに
　物価高騰と財政健全化の中で文化資源を維持・継承していくための決断が、今回の改訂といえます。だからこそ今後は、値上げに見合うだけの透明性ある運営と魅力ある展示作りが求められます。

　一方で、鑑賞者も賢く施設を利用する工夫が必要です。多くの国立美術館では、特定の「無料観覧日」や、夜間開館時の割引、年間パスポートなどが提供されています。これらの制度を上手に活用することで、大きな負担を感じることなく豊かなアート体験を続けていくことが可能です。文化の灯火を守り育てていくためにも、新しく変わる国立美術館の動きにぜひ注目していきましょう。

2026年10月から国立美術館6施設の所蔵展・上映会の観覧料が一律1,000円に大幅値上げされます。背景には運営費やエネルギー費の高騰、国の自己収入拡大方針などがあり、集めた財源は展示環境やサービス向上に活用されますが、気軽さ喪失や鑑賞格差が懸念されています。

国立美術館の6施設が所蔵作品展を値上げへ。変わりゆくアート鑑賞と今後の課題

　子供の頃、誰もが手に取ったことがある「折り紙」。実は現代において、折り紙は芸術の枠組みを超え、宇宙工学や最先端医療、プロダクトデザインにまで応用される「世界共通のテクノロジー」へと進化を遂げています。

　その変革に影響を与えたのが、日本の折り紙作家・吉沢章（よしざわ あきら）です。日本古来の遊びだった「折り紙」を、生命感あふれる芸術「ORIGAMI」へと昇華させました。

　生涯で5万点以上もの作品を生み出した功績、そして身近な生活に脈々と生き続ける技術的インパクトを分かりやすく紐解いていきましょう。

## 幾何学の教官から始まった「創作折り紙の父」
　1911年、栃木県の農家に生まれました。幼少期から折り紙に親しんでいましたが、本格的に研究する最大のきっかけとなったのは、青年期に働いていた工場での経験でした。彼は技術者として働きながら、若手社員に幾何学を教えるための教材として折り紙を活用したのです。

　平面の紙が立体へと変化する構造の奥深さに魅せられ、本格的に創作折り紙の道を志すため工場を退職します。しかし、当時は「折り紙で食べる」など誰も考えもしなかった時代です。ここから苦節の下積み時代が始まります。

　食いつなぐために佃煮の行商をしながら、極貧の中でただひたすら紙と向き合い続ける日々は20年近くに及びました。周囲から理解されない孤高の研究生活の中、才能が芽吹く転機となったのは、1952年の雑誌『アサヒグラフ』への作品掲載でした。彼が創り出した「十二支」の折り紙は、紙で折られたとは思えないほどリアルで豊かな生命力を宿しており、当時の日本中に大きな衝撃を与えたのです。

　これを機に一躍時の人となった吉沢は、1955年にアムステルダム市立美術館で海外初の個展を開催します。作品の芸術的価値は国境を越えて大絶賛を受け、彼は世界を巡る「文化大使」として、日本の「ORIGAMI」を世界共通の言語へと押し上げていきました。

## 世界を変えた技術
　「創作折り紙の父」と称される理由は、美しい作品を作ったからだけではありません。彼が考案した手法や哲学が、折り紙の概念そのものを根本から覆した点にあります。

　まずは、「吉沢–ランドレット方式」と呼ばれる作図記号です。彼は「山折り」や「谷折り」を点線や矢印で表す共通ルールを考案しました。この標準記号が作られたことで、言葉の壁を越えて世界中の誰もが同じ折り方を共有できるようになりました。

　また、「ウエットフォールディング（湿生折り）」という革新的な技法の開発も挙げられます。これは、紙の表面を水で少し湿らせてから折る技法です。湿らせることで紙の繊維が柔らかくなり、従来の折り紙では不可能だった滑らかな曲線や立体感を表現できるようになりました。動物の筋肉の躍動感や生き生きとした表情は、この技法によって初めて表現可能となったのです。

　さらに、「切り込みを一切入れない一枚の正方形」へのこだわりも重要です。ハサミやノリを使って形を作る手法を排し、四角い紙1枚の可能性をどこまで引き出せるかという美学を徹底しました。この美学と幾何学的探求が、のちの科学者たちに多大なインスピレーションを与えることになります。

## 宇宙から医療まで！現代の生活を支える折り紙工学への影響
　彼が切り拓いた折り紙の幾何学性と立体構造は、現代では「折り紙工学（Origami Engineering）」という最先端の学問として花開いています。

　例えば、宇宙開発の現場において、人工衛星の巨大な太陽光パネルや宇宙望遠鏡をロケットの狭い積載スペースに収める際、折り紙の構造を応用してコンパクトに折りたたみ、宇宙空間で一瞬で展開させる技術が実用化されています。

　また、医療分野においても私たちの命を救う技術として活かされています。心臓の血管の治療に用いられる「ステントグラフト」という医療器具は、小さく折りたたんだ状態で血管内に挿入され、目的の場所で広がる構造を持っています。これも折り紙の技術が応用された事例です。

　さらに、身近な製品にも彼の技術はあふれています。缶チューハイや缶コーヒーで見かける立体的な「ダイヤカット缶」は、折り紙の折線構造を利用して少ない金属量で高い強度を実現したデザインです。そのほか、避難所で素早く組み立てられる折りたたみ式シェルターなど、暮らしのあらゆる場面に「折り紙の知恵」が息づいています。

## おわりに：一枚の紙が拓く未来の可能性
　吉沢が築いた表現の基礎と作図記号という共通言語があったからこそ、現代の数学者や工学者、デザイナーたちが折り紙の構造を研究し、世界を便利にする新しいイノベーションを生み出すことができているのです。

　折り紙は、世界を驚かせる無限の可能性を秘めた構造体でもあります。次に手にする機会があれば、ぜひその裏にある情熱と、現代社会を支える技術の広がりに思いを馳せてみてください。

折り紙は日本の伝統的な遊びから、吉沢章の革新により芸術へと昇華し、作図記号や新技法の開発で世界共通の技術となりました。現在では宇宙工学や医療、製品デザインにも応用され、生活や最先端技術を支える重要な役割を担っています。

折り紙を世界へーー「創作折り紙の第一人者」吉沢章とは？その生涯・功績・現代技術への影響

　前衛芸術家・草間彌生さんが2026年8月14日、97歳でその生涯を閉じました。亡くなる直前まで絵筆を手放さず創作に命を燃やし続けたというニュースは、世界中に深い感動と哀悼の意をもたらしています。

　キャンバスを埋め尽くす緻密な網目、視界を鮮やかに覆う水玉模様、そして直島などに鎮座する力強いカボチャの立体作品。誰もが一度は見覚えのあるアートは、なぜ国境も世代も超えてこれほどまでに人々の心を惹きつけるのでしょうか。

　本記事では、彼女の生い立ちから、作品に込められた普遍的な哲学までを紐解き、彼女が私たちに残した「生きる希望」の真意を明らかにしていきます。

## 生きるための生存戦略——病と恐怖を芸術に昇華する
　1929年、長野県松本市に生まれた草間さんは、幼少期から厳格な家庭環境と精神の不調に悩まされました。ある日、テーブルクロスの花模様が壁や床、さらには自分自身の身体にまで広がり、世界を埋め尽くすような幻覚に襲われます。

　「子供の頃から、自殺への憧れがすごくありました。家庭環境に悩んで、幻聴や幻視にとらわれてものすごく恐ろしくて、毎日、自殺したいと願うほど追いつめられて。それを思いとどまらせてくれたのは、絵を描いたり、作品を創ったりすることだった」

　彼女にとってアートとは、正気を保つための手段だったのです。視野を埋め尽くす網目や水玉を描き出すことで、自らの恐怖を外の世界へと吐き出しました。

## 単身ニューヨークへ——前衛芸術のトップランナーとしての孤闘
　1957年、周囲の反対を押し切り、わずかな着物と自身の絵画を携えて渡米しました。当時のニューヨークのアート界は、男性中心かつ白人優位の厳しい社会でした。人種差別やジェンダーの壁に直面しながらも、彼女は不眠不休で巨大なキャンバスに無数の網目を描き続ける「無限の網（Infinity Nets）」シリーズを発表します。

　さらに60年代には、反戦や平和への祈りを込めた過激なパフォーマンスを次々と展開し、「前衛の女王」として一躍脚光を浴びました。

　「私の人生は芸術によって開かれました。私の芸術が評価され、愛されることを願って、死にもの狂いで闘ってきました」

　1970年代に体調不良のため帰国して以降は、入院しながら近くにスタジオを構え、執筆活動や絵画制作を精力的に再開します。1993年のヴェネツィア・ビエンナーレで日本代表として個展を開催したことを機に世界的な再評価の波が巻き起こり、ルイ・ヴィトンとの象徴的なコラボレーションなど、常に時代の先頭を走り続けたのです。

## 自他忘却の空間——水玉が織りなす宇宙観
　彼女のアートを語る上で欠かせない概念が「自己消滅（Self-Obliteration）」です。彼女にとって水玉（ポルカドット）は、ただの装飾的なパターンではありません。

　太陽や月、地球と同じ丸い形をした水玉は、命の源であり無限の宇宙の象徴です。自分自身を水玉で覆い尽くし、背景の空間と同化させることで、自らの存在（エゴ）を消し去り、無限の宇宙へと融合していくプロセスを表現しました。

　全面が鏡で覆われた「無限の鏡の間（Infinity Mirror Room）」などの体験型インスタレーションは、鑑賞者自身をも水玉の波に呑み込ませ、個の境界線を消失させます。精神の苦痛から逃れるために生み出された「自己消滅」のアプローチは、自分という存在の小ささを肯定し、大きな宇宙の一部として生きる安らぎを人々に提示しました。

## なぜ「カボチャ」なのか——作品に宿る普遍的な生命力
　草間彌生さんの代名詞とも言える「カボチャ」作品。彼女はカボチャに対し、深い愛着と敬意を抱いていました。

　幼少期に自家の農場で出会ったカボチャについて、自伝などで「手触りのいとしさが何とも言えなかった」と語っています。人間的な温もりを持ち、どんな嵐にも動じずに地に足を着けてたたずむカボチャの姿は、彼女自身のタフな生き様そのものを投影した存在であり、傷ついた人々をやさしく包み込む象徴でもありました。

## 言葉が証明する信念
　自らの創作理念と人生観について、次のような強い言葉を残しています。

　「この水玉一つで立ち向かってやる。これに一切を賭けて、歴史に反旗をひるがえすつもりでいた」

　彼女にとって描くことは闘いであり、命の証そのものでした。そして、晩年まで大作シリーズに取り組み続けた背景には、「私は芸術の力、愛の力をもって、世界中に平和と愛の素晴らしさを届けたい」という切実な願いがありました。

　絶望や苦しみの中からでも、表現すること、そして愛することを通して希望は見出せる——草間彌生さんが命を削って遺した作品は、混迷を極める現代を生きる私たちに、強く生き抜くための勇気を与え続けています。

前衛芸術家・草間彌生さんが97歳で逝去。幼少期からの苦悩や幻覚体験を芸術へ昇華し、網目や水玉、カボチャ作品で世界的人気を博しました。自己消滅や宇宙観、平和への願いを込めた創作活動を生涯続け、「生きる希望」を現代に伝えました。

「芸術は自分にとって生死のことに関わっている」——草間彌生さんが命を削って描いた救済と愛の真実

　江戸時代からの歴史を持つ日本有数の問屋街、東京・日本橋馬喰町および東神田エリア。いま、この地に「卸×アート×地域」を掛け合わせた新たな都市循環を起こすビッグプロジェクトが始動した。

　老舗問屋の株式会社エトワール海渡と、数々のオルタナティブスペースを手掛けてきた合同会社コマンドAが手を組み、まちづくりエリア構想「馬喰クラート」を発表。その最初の中核拠点となる「アートベース / 偶然はない。」のプレオープンに先立ち、2026年7月6日（月）にメディア向け記者会見が開催された。

　登壇したのは、エトワール海渡 代表取締役社長の早川謹之助氏、コマンドA ディレクターの中村政人氏、同代表社員の小池一子氏、同デザインディレクターの佐藤直樹氏の4名。会見の詳報とともに、本プロジェクトが描く未来像をお届けする。
![img](https://storage.diamondv.jp/photos/inserted/eqkEj5i41PAVDH48ygTie3/e4d6c208-4664-42ad-97d5-ec738328ebdc.jpg)
▲左から、コマンドAデザインディレクター佐藤直樹氏、エトワール海渡代表取締役社長の早川謹之助氏。続いて、コマンドA代表社員の小池一子氏、同社ディレクターの中村政人氏。

## 創業120余年の老舗問屋がなぜ「街」を開くのか？

　会見の冒頭、エトワール海渡の早川謹之助社長より、エリア構想「馬喰クラート」に至る背景とビジョンが語られた。

### 街の地理的特性と急速な若返り

　馬喰町・東神田エリアは、江戸通りなどの斜めに走る江戸時代の街割りと、近代の碁盤の目が交差し、独自の「路地巡りの楽しさ」を秘めた地域だ。早川社長は国勢調査のデータを提示し、エリアの急速な変化を客観的な数値で示した。

- **馬喰町・近隣5町の人口変化（2015年〜2020年国勢調査）：**  
- **人口伸び率：** 中央区平均 120% に対し、対象5町は**131.8%**  
- **19歳以下：** 中央区平均 134% に対し、対象5町は**168%**  
- **20代〜30代（現役世代）：** 中央区平均 110% に対し、対象5町は **120%**  

　  
　かつての問屋街に現役世代や子育てファミリーが流入し、モノづくりの文脈に新しい暮らしの感覚が重なりつつあります。

### 「卸の力」と「身体性」を街へ解放する

　1902（明治35）年に帯留めやかんざし等の貴金属小間物製造卸から創業したエトワール海渡。早川社長は、「我々は単にモノを流すのではなく、日常の気分が上がる価値を流通させてきた。いま都市の同質化が進む中で、店持ち卸として培った『価値を見出し、関係を結ぶ力』を商品提案にとどめず、街にひらいていきたい」と意気込みを語った。

　さらにキーワードとして掲げたのが「職・住・探・創」だ。
「身体性を伴ったモノづくりの尊さや教育は、これからの時代に不可欠。働く、暮らす、探す、創るが歩いてつながる街にすることで、子供たちが『この街で育って良かった』と思えるシビックプライドを育みたい」と力説した。

## 中核拠点「アートベース / 偶然はない。」の全貌

　続いて、コマンドAディレクターの中村政人氏より、7月7日にプレオープンを迎える中核施設「アートベース / 偶然はない。」の全貌が明かされた。7階建ての旧ビルをリノベーションし、アートのエコシステム（循環構造）を構築する拠点となる。

### 階層構成と施設の特徴
![img](https://storage.diamondv.jp/photos/inserted/eqkEj5i41PAVDH48ygTie3/dc140d15-2317-416b-8abe-560a412d31a6.jpg)
▲「アートベース / 偶然はない。」は旧ビルをリノベーションして構築された。

**5階：** 東京藝術大学「アート×ビジネス領域」ギャラリー  
**4階：** コマーシャルギャラリー（若手や海外ギャラリーの参入を促進）  
**2階・3階：** 24時間利用可能な共創アートスタジオ（企業スポンサーによる制作環境支援の仕組みを導入）  
**1階：** カフェ＆クラフトフーズ「マリシャック」、ワークショップスペース、ものづくり工房＆デジタル「かえるラボ」、棚ギャラリー  
**地下：** パフォーマンススタジオ、大型作品も保管できるレンタル倉庫  

### ネーミングの由来：「偶然はない。」

　印象的な施設名について、中村氏は「宇宙の成り立ちから人間同士の出会いまで、一見すると偶然に見える出来事も、自分の望むベクトルや見えない因果関係の先にある。創造性を生み出す『スイッチ』が入る場所にしたいという思いを込めた」と説明した。

　また、インパクトのある外壁の抽象壁画は、韓国を代表するグラフィックデザイナー/アーティストのアン・サンス氏によるコミッションワークで、日本ペイント株式会社の協賛により実現した。

　プレオープン期間（7月7日（火）〜今秋）には、子供向けプログラム「3331夏のこども芸術学校」や、作品の購入価格を鑑賞者が提示できる「3331シークレットオークション展」などが開催される。


## 「馬喰クラート」名前に込められた思想とデザイン

　本プロジェクトのクリエイティブを担う小池一子氏と佐藤直樹氏からは、名称とビジュアルイメージに関する深いストーリーが明かされた。

### 小池一子氏：文化の継承と「CURE（世話・気遣い）」の精神

　1980年代にオルタナティブスペースの草分け「佐賀町エキジビットスペース」を立ち上げた小池氏は、自身の駆け出し時代、馬喰町の問屋街へファッションの素材探しに通いつめた思い出を振り返った。

**小池一子氏：**  
　「馬喰町という歴史ある街の名を残しつつ、時代へ何を提案するかという『キュレーション（Curation）』、そして語源である『CURE（世話・気遣い）』の精神。そこにエトワール海渡様が大切にされてきた『アート（Art）&クラフト（Craft）』の伝統を結びつけ、『馬喰クラート（Bakuro-Curart）』と命名しました」

### 佐藤直樹氏：都市の「原理」から問い直したシンボルデザイン

　ビジュアルデザインを担当した佐藤直樹氏は、開発の苦心を次のように明かした。

**佐藤直樹氏：** 
　「グローバル化された均一なマーク（垂直・水平・正円の組み合わせ）の限界を感じていました。今回のシンボルはベクターデータではなく、一つ一つの『粒（点描）』の集合体として表現しています。水辺や木々、風、旗など、見る人によって多様な解釈ができる造形です。この街の複雑な路地やアイデンティティに寄り添い続けるためのチャレンジです」


## 質疑応答：新たな商流とコミュニティの誕生へ

　会見終盤の質疑応答では、ビジネスメディアや美術専門誌から鋭い質問が飛んだ。

### Q1. アートと学びの共存で、具体的にどんな「新しい商流」を見出すのか？ 

**早川社長：**  
　「当施設が位置する通りを『アートストリート』、江戸通りへ向かう垂直の通りを『コマース/リテールストリート』と位置づけている。単に卸にとどまらず、一般の生活者が回遊して買い物や体験を楽しめるようなリテール拠点を呼び込み、街歩きの動線を作っていきます」

### Q2. ギャラリーフロアの入居基準やアートフェアの構想は？

**中村氏：**  
　「初期投資を抑えてスタートできるよう、4階には構造用合板を入れた強固なギャラリー壁を完備しています。新規参入の画廊や海外ギャラリー、大学等の利用を想定しており、秋口などを目指し、全館を使った『アートフェア』の開催も計画中です」

### Q3. エトワール海渡とコマンドAの協働のきっかけは？ 

**早川社長：**  
　「2023年の『東京ビエンナーレ』で会場をお貸ししたご縁が始まりです。単なる一過性のイベントで終わらせず、アフタービエンナーレとして街に何を残せるかを議論し、専門家を交えたエリアマネジメント勉強会を経て本構想に至りました」

## まとめ

　単なる不動産再開発でも、一過性のアートイベントでもない。「馬喰クラート」の試みは、地域に長年根を張ってきた企業と、文化の現場を作り続けてきた表現者たちが、都市の歴史や人々の営みを丹念に読み解くことから始まっている。

　街を歩き、自ら発見し、身体を使って創り出す——。「アートベース / 偶然はない。」を起点に広がっていくこの緩やかなネットワークが、東京の東側にどのような新しい文化と経済の循環を生み出すのか。今秋のグランドオープンに向けて、今後の動向から目が離せない。

### 施設概要

**名称：** アートベース / 偶然はない。（馬喰クラート 中核拠点）  
 **所在地：** 東京都千代田区東神田1丁目13-3  
 **プレオープン：** 2026年7月7日（火）（1階スペースのみ先行オープン）  
 **グランドオープン：** 2026年今秋予定（全館オープン）  
 **1階カフェ「マリシャック」営業時間：**  
ランチ 11:00〜14:00
カフェタイム 14:00～17:00  
ディナー 17:00〜22:00  


東京・日本橋馬喰町の老舗問屋「エトワール海渡」と「コマンドA」がタッグを組み、問屋街をまちづくりエリア「馬喰クラート」へと変革するプロジェクトが始動。中核拠点「アートベース / 偶然はない。」のプレオープン記者会見の模様とともに、卸×アート×地域で描く街の新たな未来像をレポートする。

【独自レポ】問屋街から「感性を育む街」へ。エトワール海渡とコマンドAが挑むエリア構想「馬喰クラート」と「アートベース / 偶然はない。」

西洋美術の殿堂・パリ。その狂乱の時代に、もっとも愛された日本人画家がいました。

彼の名は、藤田嗣治。 彼は、東洋の繊細な「線」と西洋の「伝統技法」を完璧なまでに融合させ、唯一無二の表現を確立しました。

没後もなお、世界中の人々を魅了してやまない藤田の芸術。一体、彼の何がそこまで特別だったのでしょうか。

## 医師の家に生まれ芸術の夢を抱く
藤田嗣治が誕生したのは1886年、東京の牛込区。父は陸軍の軍医総監というエリートでした。幼少期を熊本で過ごし、早くから絵の才能を見せ、画家を志すようになります。しかし、家族は彼に医者や軍人としての道を期待していたため、芸術家への夢はたやすくは認めてもらえませんでした。けれども彼は思いを手紙にしたため、画材を買い与えてもらうまで両親を説得します。

やがて東京美術学校（現在の東京藝術大学）に進学しますが、当時の日本は黒田清輝らによる印象派が主流。伝統にこだわる風潮の中で、革新的な作品はなかなか評価されず、卒業制作の自画像では黒を多用したことで「悪い例」と批判されました。

## パリで出会った“自由”の衝撃
1913年、26歳の藤田は夢を叶えるべく、単身でパリへ渡ります。モンパルナスのアトリエに腰を落ち着けると、世界中から集まった若き芸術家たちと交流を深めていきました。イタリアのモディリアーニ、ロシアのシャガール、スペインのピカソらとの出会いは、彼に大きな刺激を与えました。パリの美術界ではすでに印象派は過去のものとなり、キュビズムやフォーヴィスムなど新しい潮流が次々と生まれていました。

何もかも違う世界で、“日本人である自分”の存在価値を彼は問い直し始めました。西洋でしか通用しないものではなく、自分のルーツを生かした表現を模索します。仏像や浮世絵に着想を得て、東洋的なモチーフや線描の技法を油彩画に取り入れるという新たな挑戦に踏み出したのです。

## 独自技法「乳白色の肌」の誕生
藤田の最大の特徴は、なんといっても“乳白色の肌”の表現にあります。これはタルク（滑石粉）や胡粉（日本画で使う顔料）を独自に配合した下地によるもので、陶器のような光沢と柔らかな透明感を同時に生み出しました。輪郭線には日本の面相筆（細く繊細な筆）を用い、極細の墨線で人物や猫の輪郭を描きます。この技法は当時のパリで大きな驚きをもって迎えられ、「まるで絹のベールをまとったようだ」と絶賛されました。

彼はこの“白”の秘密を生涯誰にも明かしませんでした。アトリエには、彼が下地を塗る時だけ立ち入ることは絶対に許されなかったといいます。死後、絵画修復の過程でようやく、その特殊な配合が解明されました。

## サロン・ドートンヌのセンセーション──パリでの栄光
1917年、第一次世界大戦の混乱のさなか、ついにパリで個展を開きます。「モンパルナスのキキ」をモデルとした裸婦像が話題となり、ついにはサロン・ドートンヌ（パリの有名な美術展覧会）で審査員に推挙されます。乳白色の裸婦像は高値で売れ、藤田の名声は一気に高まりました。

その後も、パリの社交界や芸術家仲間の間で“フジタ”の名は知れ渡り、レジオン・ドヌール勲章（フランス最高の勲章）やベルギーのレオポルド勲章を受章。経済的にも成功を収め、彼のアトリエには多くのモデルや友人が訪れるなど、栄光を謳歌しました。

## モチーフへのこだわり──裸婦と猫
藤田の作品に欠かせないのが裸婦と猫です。特に裸婦は、彼の“白い肌”の技法を最大限に生かすモチーフでした。モデルには、モンパルナスの“キキ”や、自身の伴侶となったリュシー・バドゥらが登場し、それぞれの個性を活写しています。

また猫に対する愛情は格別で、しばしば作品に登場しました。猫は彼自身の分身とも言われ、時には自画像の中にも描かれています。1930年にニューヨークで出版された猫のエッチング版画集『猫の本』は、今や世界的な希少本となっています。猫の表情やしなやかな動きの描写は、見る者を惹きつけてやみません。

## 南米での挑戦と日本への帰還
パリでの成功に甘んじることなく、藤田は1931年、当時のパートナーで踊り子のマドレーヌ・ルクーとともに南米を巡ります。ブラジルやアルゼンチン、メキシコなどで個展を開催し、古代遺跡や現地の壁画芸術から新たなインスピレーションを受けました。この旅は彼の色彩感覚にも影響を与え、以降、作品により多様な色使いが見られるようになります。

その後、1933年には日本に帰国します。日本では画家としての成功がようやく認められはじめ、秋田の大地主の依頼で巨大壁画「秋田の行事」を完成させるなど、日本の美術界にも大きな足跡を残しました。

## 戦争と苦悩──戦争画家としての葛藤
日本が軍国主義へと傾くと、藤田もまた従軍画家として戦争画の制作に携わることとなりました。中国や南方の戦地を巡りながら、凄惨な戦闘や兵士たちの姿を細密に描き出します。その作品群は、当時の日本画壇から絶賛されると同時に、敗戦後には「戦争協力者」として激しい批判の矢面に立たされました。仲間だった画家たちや周囲の人々も、彼を遠ざけるようになります。

この冷ややかな空気に耐えかね、彼は再び日本を離れ、フランスへ戻る決意を固めます。戦後、「自分が日本を捨てたのではない、日本に捨てられた」と語ったその言葉は、彼の深い苦悩を物語っていると言えるでしょう。

## フランスへの帰化と晩年の創作
再びパリに戻った藤田を待っていたのは、すでに多くの親しい友人が世を去った時代でした。画壇の中心はパリからニューヨークへと移りつつあり、かつてのような脚光はありません。それでも創作への情熱を失うことなく、日々キャンバスに向かいました。1955年にはフランス国籍を取得し、さらに1959年にはランスのノートルダム大聖堂でカトリックの洗礼を受け、“レオナール・フジタ”と名乗るようになります。

晩年、彼はランスに自ら設計・装飾した「平和の聖母礼拝堂（通称：フジタ礼拝堂）」を完成させます。ステンドグラスやフレスコ画、彫刻など内部装飾のすべてを手がけ、カトリックの信仰に根ざした壮麗な空間を創出しました。1968年、スイス・チューリッヒで81年の生涯を閉じた彼の遺骨は、この礼拝堂に眠っています。

## 再評価される藤田の功績と遺産
長らく日本では正当な評価を受けてこなかった藤田ですが、近年、その独創性や国際的な活躍が再び脚光を浴びています。没後には日本政府から勲一等瑞宝章を贈られ、彼のアトリエや蔵書、数々の作品は美術館や研究機関に寄贈され、後世の人々の学びの宝となっています。技法や画材の秘密をめぐる研究も進み、彼の革新性と情熱が、時を超えて多くの人々を魅了し続けているのです。

## まとめ
世界の中の日本人として独自の表現を切り開き、栄光と苦悩の両方を味わった藤田嗣治。その人生は、常に“自分だけの道”を探し続けた軌跡でもありました。西洋と東洋の美の融合、そして描くことへの飽くなき情熱。彼の作品を前にするとき、私たちは「時代を超える創造の精神」に触れることができるのではないでしょうか。これからも彼の足跡は、国境や時代を超えて語り継がれていくことでしょう。


明治生まれの画家・藤田嗣治は、東洋の繊細な線と西洋の技法を融合し、独自の“乳白色の肌”表現でパリ芸術界に名を刻みました。戦争画家としての苦悩やフランス帰化、晩年の宗教芸術制作など波乱の生涯を送り、没後も国際的に再評価されています。

西洋と東洋をつなぐ絵筆──藤田嗣治、独自の美の軌跡

　2026年3月13日、東京の春を彩る国内最大級のクリエイティブの祭典『東京クリエイティブサロン 2026（TCS 2026）』が開幕した。桜の季節、都内9エリアが一体となってファッションやアートを発信するこの巨大プロジェクトは、どのようなビジョンのもとに動き出したのか。熱気あふれるオープニングセレモニーのもようをレポートする。

## 主催者挨拶：大西会長が語る「ハードとソフトの融合」による都市づくり

　会は、東京クリエイティブサロン実行委員会の大西 洋会長による主催者挨拶で幕を開けた。大西会長は、2020年の立ち上げから続く本プロジェクトの意義を、現在の都市開発が抱える課題と絡めて力強く語った。

　「東京は世界から注目される都市であることに違いありません。ただ、ここ10年ほど都内の開発を見ていると、決して悪いことではありませんが、あまりにも『ハード』が先行しているのではないかと常々感じておりました」

　大西会長は、ニューヨークやパリといった世界を代表する都市と比肩（ひけん）するためには、建物（ハード）だけでなく、アートやファッションといった「ソフト」のプレゼンテーションが不可欠であると説く。

　「ソフト面での感性価値が。本年のテーマ『FUTURE VINTAGE（フューチャーヴィンテージ）』には、不透明な時代だからこそ、過去の文化をベースにしながらイノベーティブな未来を創り上げたいという思いを込めています」
![img](https://storage.diamondv.jp/photos/inserted/gKmembGXZkCEbfN1xJR6NH/02c5e7fd-a412-49a6-9ae4-aa3708ac5e69.png)
▲「『さすが東京だ』と言われるものをご提案していきたい」と語ったTCS2026実行委員会会長・大西洋氏

## 杉山統括ディレクターが説く「9エリアの連携」

　続いて、本プロジェクトの統括ディレクターを務める杉山央（すぎやま おう）氏より、具体的な開催概要が紹介された。杉山氏は、不動産デベロッパー出身の知見を活かし、異なる文化圏を持つエリア同士が連携する価値を強調した。

　「私が感銘を受けたのは、それぞれのエリアのデベロッパーの方々が争い合うのではなく、に連携してプロセスをともにしている点です。この対話そのものがTCSの最大の成果です」

　杉山氏は、全9エリアの展開を紹介しつつ、今年の大きな目玉である新宿エリアでの「自主イベント」についても詳細を明かした。

　「一つは新宿の住友ビル三角広場で行う『東京トレイルズ』。一組のデザイナーに焦点を当て、彼らが東京からどんな影響を受けてものづくりにつなげてきたかを可視化します。もう一つは、世界初の試みとなる『東京ヴィンテージファッションウィーク』です。約100店舗のブースが並び、来場者が実際に参加し、購入し、交流できる新しい場を提示しています」
![img](https://storage.diamondv.jp/photos/inserted/gKmembGXZkCEbfN1xJR6NH/519dbb2d-5037-4354-b6ed-02857f4116f3.png)
▲「東京という一つの『人格』をつくるための対話に感銘を受けた」と語った統括ディレクター・杉山央氏

## スペシャルトークセッション：本田翼×大西会長「東京の創造力をどう定義するか」

　次に、スペシャルゲストの女優・本田翼さんが登壇し、大西会長とのトークセッションが行われた。ここでは、大西会長が本年のテーマと東京の未来について、より踏み込んだ持論を展開した。

**――テーマ「フューチャーヴィンテージ」に込められた想い**  
**大西会長：** 「今、世界は混迷の時代にあり、未来が見出しにくい環境にあります。その時にベースとなるのは、やはり過去に作られてきた文化的価値や東京の歴史です。それを『ヴィンテージ』と表現しました。ただ過去をそのまま持っていくのではなく、そこに新しい価値を加えてイノベーティブな未来を創り上げる。それが『FUTURE VINTAGE（フューチャーヴィンテージ）』に込めた願いです」  

**本田さん：** 「ヴィンテージがあるから未来があって、またそれがヴィンテージになっていく。その循環が腑に落ちました」

**――世界に誇れる「東京の創造力」とは？**  
**大西会長：** 「歴史的に見れば、日本や東京の『ゼロから物を作り上げていく創造力』は世界で高く評価されています。ただ、未来に向けてはそれだけでは足りない。ファッションの創造力において、例えばパリやミラノに勝てない部分があるならば、圧倒的に違った文化的価値を創造していく。ニューヨークやロンドンとも違う、東京ならではの付加価値をどうつけるかが今後のキーになるでしょう」

**本田さん：** 「私は、日本全体が使いやすく便利で清潔になっていると感じます。ファッションにおいても、実用面での『人に寄り添っている進化』。この創造力は世界に誇れる点ではないでしょうか」

**――東京らしさを感じる注目のエリア**  
トークセッションの終盤、フリップによるエリア紹介では、大西会長はあえて9エリア外の **「上野周辺」** を挙げた。

**大西会長：** 「東京は多様性の街です。港区や渋谷の高層ビル群は、ある意味でハードがトゥーマッチ（過剰）な状態。一方で上野や浅草といった下町には、古くからの文化や歴史が息づき、そこから若いアーティストや新しい街づくりが生まれています。美術館とキャラクターのコラボなど、これこそが東京の多様性を象徴する姿ではないでしょうか」
![img](https://storage.diamondv.jp/photos/inserted/gKmembGXZkCEbfN1xJR6NH/4115c722-229d-49bd-bc06-d75532fba889.webp)
▲大いに盛り上がった本田翼さんと実行委員会会長・大西洋氏とのトークセッション

## 祝辞：小池百合子都知事が期待する「ファッション都市・東京」の確立

　式典の終盤には、東京都の小池百合子知事のビデオメッセージを放映。祝辞とともに、東京のプレゼンス向上への期待を語った。

　「東京クリエイティブサロンは7年前に始まり、コロナ禍という困難を乗り越えながら工夫と挑戦を重ね、今なお進化を遂げております。東京の街が桜色に染まるこの季節に、ファッションをはじめとする東京のクリエイティブの魅力が世界に発信されるシーンを、多くの方が心待ちにされています」

　小池知事は、インバウンド需要が高まる現状を好機と捉え、各エリアの個性を活かした発信が東京を世界に誇るファッション都市へと押し上げていくと確信を込めて述べた。

## 「ファッションによる世界平和」を目指して

　セレモニー後には祝賀会が開催され、乾杯の音頭をとったのは、実行委員会の廣内武顧問。廣内顧問は、ファッションが持つ根源的な力を熱く語り、会場を一つにまとめた。

　「ファッションは人々の生活に潤いと彩りをもたらし、生きる喜び、前に進もうという意欲をかき立ててくれます。東京からファッションを発信することで、世界の平和に貢献できることを願っております」

　最後には「喉が渇きましたので、話はこれで終わります」とユーモアを交えて締めくくり、廣内顧問の力強い発声とともに、10日間の祭典の成功を祝して会場全体で杯を交わした。

　  
▶「東京クリエイティブサロン 2026」を主催する実行委員会会長 大西 洋氏の半生を綴った連載記事「原石からダイヤへ」は[こちら](https://www.diamondv.jp/special/journey/sp001743448843fKHdZ)

都内9エリアが共鳴する国内最大級の祭典『東京クリエイティブサロン 2026』が開幕、オープニングセレモニーが開かれた。大西洋会長が語る「ハードからソフトへ」の都市戦略、ゲストの本田翼と紐解く今回のテーマの真意、そして小池都知事が寄せる期待とは。未来の東京を創る熱狂の舞台裏をレポートする。

東京を「世界一のクリエイティブ都市」へ。9エリアが連携する『東京クリエイティブサロン 2026』開幕。主催者・都知事らが語った未来への布石

　株式会社サンゲツ（本社：愛知県名古屋市、代表取締役 社長執行役員：近藤 康正）は、株式会社ソーシャルインテリア（TOKYOROOMS展実行委員会）が2026年4月18日（土）～5月17日（日）に開催する、さまざまな生き方を表す40部屋をめぐる展覧会「TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜」にゴールドスポンサーとして出展および協賛します。 

　本イベントにおいて、当社は2部屋の空間演出に加え、多様なクリエイターが世界観を表現した部屋の数々に対して、壁装材・床材・ファブリックなどの内装材を協力提供します。  
  
## 出展および協賛の背景と目的  
　サンゲツは、ブランドステートメント「Joy of Design　デザインするよろこびを。」を掲げ、すべての人にデザインするよろこびや感動をお届けすることを目指しています。本イベントは、6畳ワンルームの40部屋を多様なクリエイターが制作し、来場者がその表現を通じてさまざまな価値観や生き方と出会い、本当に自分が心地よいと思う部屋や価値観を発見する体験型展覧会です。この「多様な価値観から自分らしい空間を見つける」というコンセプトは、当社のブランド価値と深く共鳴するものです。  

　内装材の国内トップシェア企業として、本イベントへの参画を通じて、内装材が空間に与える可能性を提示するとともに、多くの方々が自分らしい空間を創り出すきっかけを提供してまいります。  

## サンゲツによる出展内容  
　ゴールドスポンサーとして、以下の2つの異なるコンセプトによる部屋を演出し、内装材による空間の変化や魅力を提示します。  
  
 **1.「SHIROTAE—上質な普通—」** （展示エリア１：ふとした幸せを大切に）  
　万葉集にも登場する「白妙（しろたえ）」という言葉は白をたたえるという意味も持ちます。  

　アクセントに色を差すのではなく、いまの空気感をまとった洗練されたスタンダードな色調を「背景」に、白を「主役」として迎え入れる。  

　30種もの白いクロスが繊細なリズムを刻み、その繊細な表情をより鮮明にたたえます。  
サンゲツならではの「上質な普通」を極めた空間です。  
![img](https://storage.diamondv.jp/photos/inserted/i9LJYfronegw5RBVd2RqQ5/90748bda-7428-45e0-b606-6e9938b820d3.jpg)  
   
 **2.「BORDERLESS REFLECTION」** （展示エリア２：個性重視）  
彩裳映（あやものうつし）  
冷徹な鏡面と、包容する布の柔らかさ  
無機質な静寂が、鮮やかな色彩を呼び覚ます  
見つめれば、確かな自分と、光に溶けゆく残像  
対峙する二つの真理が、ひとつに重なる  
境界は失われ、あなたは空間の一部となる  

## サンゲツによる内装材の協力提供  
　本イベントにおいて、当社は壁装材・床材・ファブリックなどの材料提供を行います。提供材料の品番等については、会場内のパネルからTOKYOROOMS公式サイト内のページにアクセスしてご確認いただけます。  

　40通りの多様な価値観が並ぶ本イベントにおいて、当社が空間の表現者、そして内装材の提供者として参加することは、ブランドステートメント「Joy of Design　デザインするよろこびを。」を体現するものと考えています。6畳の部屋を通して、自分自身の「好き」や「大切にしていること」に気付くきっかけとなる当展覧会に、ぜひお越しください。

## イベント概要  
-	イベント名：TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜  
-	会期：2026年4月18日（土）～5月17日（日）  
-	会場：TOKYO NODE GALLERY（虎ノ門ヒルズ ステーションタワー 45F）  
-	主催：株式会社ソーシャルインテリア（TOKYOROOMS展実行委員会）  
-	特設サイト：[https://subsclife.com/tokyorooms/exhibition](https://subsclife.com/tokyorooms/exhibition)  
- 観覧料：一般 1,900円、小人（3歳〜小学生）950円  
※表示料金は消費税込  
※2歳以下は無料です  
※こどもの日（5月5日）限定で、小人は無料になります  
※障がい者手帳をお持ちの方とその介助者（1名まで）は無料です  
- チケット購入はこちら：[https://artsticker.app/events/105971](https://artsticker.app/events/105971)  

　  
### 報道機関からのお問い合わせ  
株式会社サンゲツ　経営戦略室　広報IR課  
TEL：0570-003-310（ナビダイヤル）  
mail：kouhou@sangetsu.co.jp


株式会社サンゲツは、株式会社ソーシャルインテリアが2026年4月18日（土）～5月17日（日）に開催する、さまざまな生き方を表す40部屋をめぐる展覧会「TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜」にゴールドスポンサーとして出展および協賛します。

サンゲツ、部屋と生き方をテーマにした体験型展覧会「TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜」に出展・協賛

　株式会社サンゲツ（本社：愛知県名古屋市、代表取締役 社長執行役員：近藤 康正）は、2025年11月29日（土）から12月5日（金）まで、21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3にて、「壁を装う展 - Wall Covering and Beyond」を開催します。  

　◆WEBサイト：[https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251027134832.html](https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251027134832.html)
  
　本展は、1849年の創業以来、人々の暮らしを彩るインテリア商品を開発・提供してきたサンゲツが、コンテンポラリーデザインスタジオ「we+（ウィープラス）」を迎え、「壁装材」をデザインと文化の視点から再解釈するリサーチプロジェクトの企画展です。  

　日本の壁紙は、自然環境や住宅様式の変遷、海外文化との交流を背景に、素材や技術の進化を積み重ねながら、世界の壁紙とは異なる独自の発展を遂げてきました。現在では住まいに欠かせない「壁装材」として、暮らしの中で多様な役割を果たしています。  

　サンゲツでは、これまでに数万点におよぶ壁紙を手がけ、その豊富なアーカイブには、時代とともに培われた高度な技術や美意識、多様な空間表現の可能性が息づいています。  

　本展では、これらのアーカイブを起点に、「壁を装う」という文化の本質に迫り、素材と技術の進化、そこに宿る美意識の多様性をたどりながら、日本の壁装材文化の奥深い魅力を再発見し、これからの壁装材のあり方を提示します。  
  
### 開催概要  
　タイトル：壁を装う展 - Wall Covering and Beyond  
会期：2025年11月29日（土）- 12月5日（金） 10:00 - 19:00 　＊会期中無休  
会場：21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3（住所／東京都港区赤坂9-7-6 東京ミッドタウン ミッドタウン・ガーデン）  
入場料：無料  
  
### 会場構成  
　**1.イントロダクション**  
日本で壁紙が広く普及するに至った背景の一つである素材や構造に着目し、製造工程ごとの実物展示を通して壁紙の特性をご紹介します。  
  
　**2.素材からみる壁紙系統図**  
サンゲツがこれまで手がけてきた数万点におよぶ壁紙を紐解くと、インスピレーションの起点には、「石」「土」「木」「紙」「織」などのプリミティブな素材が存在していることが見えてきます。この「素材」という視点から壁紙を体系的に分類し、日本独自の進化を遂げてきた変遷を、マインドマップ形式で可視化していきます。  
  
　**3.これからの壁紙**  
素材から着想を得て常に進化してきた壁紙は、これからどのような未来を迎えるのか――。その可能性を提示します。  
   
　**4.日本独自の壁紙見本帳**  
1960年にサンゲツが初めて発行した壁紙の見本帳は、ニーズや技術の多様化に伴い、常に進化を重ねてきました。壁装材の歴史を物語る見本帳のアーカイブを系図と共にたどり、「選ぶ楽しさ」を体感いただけるエリアを展開します。  
  
### プロフィール  
　**株式会社サンゲツ**  
壁装材、床材、ファブリックの開発・販売をはじめ、空間デザイン、設計、施工までを手がけるインテリア総合企業。1849年の創業以来、180年近い歴史の中で、時代の変化に対応しながら、日本の空間創りに携わってきた。  
2030年に目指す企業像を「スペースクリエーション企業」と位置づけ、商品、デザイン、物流、施工などの各機能を組み合わせた、質の高いソリューション提供の実現に取り組んでいる。企業理念である「すべての⼈と共に、やすらぎと希望にみちた空間を創造する。」のもと、多様化する顧客・市場ニーズへの対応と社会課題の解決を通じた、経済価値と社会価値の創出を目指している。  
また、企業理念の実現への取り組みの一環として、壁面のデザインと発想を募る「サンゲツデザインアワード※」を2017年より開催。アワードを通して空間創造の新たな可能性を探求し、デザインとクリエイティビティの領域をより一層広げている。  

　**※サンゲツデザインアワード**  
2017年に「サンゲツ壁紙デザインアワード」としてスタートし、2023年からは“壁紙”の枠を超えた“壁面のデザイン”を対象としてリニューアルしたデザインコンペティション。第9回目を迎える本年は、2025年10月14日（火）より募集を開始し、自由な発想と創造性を持った作品を広く募り、空間デザインの新たな可能性を切り拓いていく。  
[https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html](https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html)  

　**we+**  
[https://weplus.jp](https://weplus.jp)  
リサーチと実験に立脚した手法で、新たな視点と価値をかたちにするコンテンポラリーデザインスタジオ。林 登志也と安藤 北斗により2013年に設立。  
利便性や合理性が求められる現代社会で、見落とされがちな多様な価値観を大切にしながら、自然や社会環境との親密な共存関係を築くオルタナティブなデザインの可能性を探究している。研究を起点とする自主プロジェクトを国内外で発表。そこで得られた知見を生かし、R&D、インスタレーション、プロダクト開発、空間デザイン、アートディレクションなど、さまざまな企業や組織のプロジェクトを手がけている。  
FRAME Awards 2024 ／ Designer of the Yearをはじめ、Wallpaper* Design Awards、Dezeen Awards、EDIDAなど受賞多数。作品はドイツのVitra Design Museumなどに収蔵されている。  
  
  
### プレスお問合せ先  
　※ご取材や素材データのご依頼、ご質問などについては下記までお問い合わせください。  
HOW INC.  
Tel. 03-5414-6405 ／ Mail. pressrelease@how-pr.co.jp  
  
### お客さまお問い合わせ先
　株式会社サンゲツ　経営戦略室　広報IR課  
Mail. kouhou@sangetsu.co.jp


株式会社サンゲツ（本社：愛知県名古屋市、代表取締役 社長執行役員：近藤 康正）は、2025年11月29日（土）から12月5日（金）まで、21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3にて、「壁を装う展 - Wall Covering and Beyond」を開催します。  

◆WEBサイト：[https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251027134832.html](https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251027134832.html)
  
本展は、1849年の創業以来、人々の暮らしを彩るインテリア商品を開発・提供してきたサンゲツが、コンテンポラリーデザインスタジオ「we+（ウィープラス）」を迎え、「壁装材」をデザインと文化の視点から再解釈するリサーチプロジェクトの企画展です。  

日本の壁紙は、自然環境や住宅様式の変遷、海外文化との交流を背景に、素材や技術の進化を積み重ねながら、世界の壁紙とは異なる独自の発展を遂げてきました。現在では住まいに欠かせない「壁装材」として、暮らしの中で多様な役割を果たしています。  

サンゲツでは、これまでに数万点におよぶ壁紙を手がけ、その豊富なアーカイブには、時代とともに培われた高度な技術や美意識、多様な空間表現の可能性が息づいています。  

本展では、これらのアーカイブを起点に、「壁を装う」という文化の本質に迫り、素材と技術の進化、そこに宿る美意識の多様性をたどりながら、日本の壁装材文化の奥深い魅力を再発見し、これからの壁装材のあり方を提示します。  
  
### 開催概要  
タイトル：壁を装う展 - Wall Covering and Beyond  
会期：2025年11月29日（土）- 12月5日（金） 10:00 - 19:00 　＊会期中無休  
会場：21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3（住所／東京都港区赤坂9-7-6 東京ミッドタウン ミッドタウン・ガーデン）  
入場料：無料  
  
### 会場構成  
**1.イントロダクション**  
日本で壁紙が広く普及するに至った背景の一つである素材や構造に着目し、製造工程ごとの実物展示を通して壁紙の特性をご紹介します。  
  
**2.素材からみる壁紙系統図**  
サンゲツがこれまで手がけてきた数万点におよぶ壁紙を紐解くと、インスピレーションの起点には、「石」「土」「木」「紙」「織」などのプリミティブな素材が存在していることが見えてきます。この「素材」という視点から壁紙を体系的に分類し、日本独自の進化を遂げてきた変遷を、マインドマップ形式で可視化していきます。  
  
**3.これからの壁紙**  
素材から着想を得て常に進化してきた壁紙は、これからどのような未来を迎えるのか――。その可能性を提示します。  
   
**4.日本独自の壁紙見本帳**  
1960年にサンゲツが初めて発行した壁紙の見本帳は、ニーズや技術の多様化に伴い、常に進化を重ねてきました。壁装材の歴史を物語る見本帳のアーカイブを系図と共にたどり、「選ぶ楽しさ」を体感いただけるエリアを展開します。  
  
### プロフィール  
**株式会社サンゲツ**  
壁装材、床材、ファブリックの開発・販売をはじめ、空間デザイン、設計、施工までを手がけるインテリア総合企業。1849年の創業以来、180年近い歴史の中で、時代の変化に対応しながら、日本の空間創りに携わってきた。  
2030年に目指す企業像を「スペースクリエーション企業」と位置づけ、商品、デザイン、物流、施工などの各機能を組み合わせた、質の高いソリューション提供の実現に取り組んでいる。企業理念である「すべての⼈と共に、やすらぎと希望にみちた空間を創造する。」のもと、多様化する顧客・市場ニーズへの対応と社会課題の解決を通じた、経済価値と社会価値の創出を目指している。  
また、企業理念の実現への取り組みの一環として、壁面のデザインと発想を募る「サンゲツデザインアワード※」を2017年より開催。アワードを通して空間創造の新たな可能性を探求し、デザインとクリエイティビティの領域をより一層広げている。  

**※サンゲツデザインアワード**  
2017年に「サンゲツ壁紙デザインアワード」としてスタートし、2023年からは“壁紙”の枠を超えた“壁面のデザイン”を対象としてリニューアルしたデザインコンペティション。第9回目を迎える本年は、2025年10月14日（火）より募集を開始し、自由な発想と創造性を持った作品を広く募り、空間デザインの新たな可能性を切り拓いていく。  
[https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html](https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html)  

**we+**  
[https://weplus.jp](https://weplus.jp)  
リサーチと実験に立脚した手法で、新たな視点と価値をかたちにするコンテンポラリーデザインスタジオ。林 登志也と安藤 北斗により2013年に設立。  
利便性や合理性が求められる現代社会で、見落とされがちな多様な価値観を大切にしながら、自然や社会環境との親密な共存関係を築くオルタナティブなデザインの可能性を探究している。研究を起点とする自主プロジェクトを国内外で発表。そこで得られた知見を生かし、R&D、インスタレーション、プロダクト開発、空間デザイン、アートディレクションなど、さまざまな企業や組織のプロジェクトを手がけている。  
FRAME Awards 2024 ／ Designer of the Yearをはじめ、Wallpaper* Design Awards、Dezeen Awards、EDIDAなど受賞多数。作品はドイツのVitra Design Museumなどに収蔵されている。  
  
  
### プレスお問合せ先  
※ご取材や素材データのご依頼、ご質問などについては下記までお問い合わせください。  
HOW INC.  
Tel. 03-5414-6405 ／ Mail. pressrelease@how-pr.co.jp  
  
### お客さまお問い合わせ先
株式会社サンゲツ　経営戦略室　広報IR課  
Mail. kouhou@sangetsu.co.jp


株式会社サンゲツは、2025年11月29日（土）から12月5日（金）まで、21_21 DESIGN SIGHTギャラリー3にて、日本の壁装材文化の魅力を再発見し、これからの壁装材のあり方を提示する企画展「壁を装う展 - Wall Covering and Beyond」を開催します。

壁を装う展 - Wall Covering and Beyond

　株式会社サンゲツ（本社：愛知県名古屋市、代表取締役 社長執行役員：近藤 康正）は、第9回目となるデザインコンペティション「サンゲツデザインアワード 2025」を開催し、10月14日（火）より作品募集を開始しました。テーマは、当社のブランドステートメントでもある“Joy of Design”。壁面をキャンバスとして、デザインするよろこびをもたらすような、自由でクリエイティブなデザインを広く募集します。  
◆WEBサイト：[https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html](https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html)

　今年の「サンゲツデザインアワード 2025」は、より多くの方に応募していただくことで、デザインとクリエイティビティの可能性をさらに広げていきます。そのための取り組みとして、一次審査の提出物を、従来の実物からデジタルデータに変更します。これにより、世界中どこからでも気軽にエントリーできるようになりました。さらに、一次審査を通過したファイナリストには、審査員による個別相談会を実施します。建築や空間デザイン等さまざまな分野の第一線で活躍するプロフェッショナルと直接対話する場を設けることで、応募者の多彩なアイデアを一層引き出し、作品の完成度を高める機会を創出します。

　当社は、このアワードを通じて、壁紙の枠を超えた壁面のデザインと発想を募り、空間創造の新たな可能性を探求します。そして、デザインとクリエイティビティの力で、企業理念に掲げるPurpose「すべての人と共に、やすらぎと希望にみちた空間を創造する。」の実現を目指してまいります。

　**応募要項** 

　［募集対象］  
壁面のデザイン  

　［テーマ］  
Joy of Design  

　［審査員］  

　山﨑 健太郎（株式会社山﨑健太郎デザインワークショップ代表、建築家、工学院大学教授）  

　座間 望（ZA DESIGN Inc.主宰、空間デザイナー）  

　森本 千絵（株式会社goen°主宰、クリエイティブディレクター）  

　安藤 北斗（we+共同主宰、デザイナー、武蔵野美術大学准教授）  

　近藤 康正（株式会社サンゲツ 代表取締役 社長執行役員）※審査委員長  

　［賞および賞金］  

　大賞（1点）：100万円／優秀賞（1点）：50万円／特別賞（4点）：各15万円／ファイナリスト賞（複数点）：各2万円  

　［応募資格］  

　企業、団体、個人、グループ、年齢、性別、職業、国籍は問いません  

　［応募期間］  

　2025年10月14日（火）～12月22日（月）18：00  

　提出データアップロード受付：2025年12月22日（月）18：30まで  

　※希望者のみ 実物作品必着日：2025年12月22日（月）  

　［審査方法］  

　⼀次審査：提出データによる審査（2026年1月中旬）  

　最終審査：プレゼンテーション審査（2026年3月中旬）  

　※最終審査に向けた審査員との個別相談会を実施予定（2026年2月上旬）  

　［結果発表］  

　一次審査結果：通過・落選ともに2026年1月中旬にメールにて通知  

　最終審査結果：最終審査会終了後、同日に開催するセレモニー内で発表  


　詳細は「サンゲツデザインアワード」公式WEBサイトをご覧ください。  
[https://www.sangetsu-award.jp/](https://www.sangetsu-award.jp/)  


　●サンゲツデザインアワード 2024イベントレポート
[https://www.sangetsu-award.jp/2024/award.html#navi](https://www.sangetsu-award.jp/2024/award.html#navi)  


　[ 本件に関する照会先 ]  

　株式会社サンゲツ　サンゲツデザインアワード事務局  

　mail：info@sangetsu-award.jp  


株式会社サンゲツ（本社：愛知県名古屋市、代表取締役 社長執行役員：近藤 康正）は、第9回目となるデザインコンペティション「サンゲツデザインアワード 2025」を開催し、10月14日（火）より作品募集を開始しました。テーマは、当社のブランドステートメントでもある“Joy of Design”。壁面をキャンバスとして、デザインするよろこびをもたらすような、自由でクリエイティブなデザインを広く募集します。  
◆WEBサイト：[https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html](https://www.sangetsu.co.jp/information/detail/20251010112918.html)

今年の「サンゲツデザインアワード 2025」は、より多くの方に応募していただくことで、デザインとクリエイティビティの可能性をさらに広げていきます。そのための取り組みとして、一次審査の提出物を、従来の実物からデジタルデータに変更します。これにより、世界中どこからでも気軽にエントリーできるようになりました。さらに、一次審査を通過したファイナリストには、審査員による個別相談会を実施します。建築や空間デザイン等さまざまな分野の第一線で活躍するプロフェッショナルと直接対話する場を設けることで、応募者の多彩なアイデアを一層引き出し、作品の完成度を高める機会を創出します。

当社は、このアワードを通じて、壁紙の枠を超えた壁面のデザインと発想を募り、空間創造の新たな可能性を探求します。そして、デザインとクリエイティビティの力で、企業理念に掲げるPurpose「すべての人と共に、やすらぎと希望にみちた空間を創造する。」の実現を目指してまいります。

**応募要項** 

［募集対象］  
壁面のデザイン  

［テーマ］  
Joy of Design  

［審査員］  

山﨑 健太郎（株式会社山﨑健太郎デザインワークショップ代表、建築家、工学院大学教授）  

座間 望（ZA DESIGN Inc.主宰、空間デザイナー）  

森本 千絵（株式会社goen°主宰、クリエイティブディレクター）  

安藤 北斗（we+共同主宰、デザイナー、武蔵野美術大学准教授）  

近藤 康正（株式会社サンゲツ 代表取締役 社長執行役員）※審査委員長  

［賞および賞金］  

大賞（1点）：100万円／優秀賞（1点）：50万円／特別賞（4点）：各15万円／ファイナリスト賞（複数点）：各2万円  

［応募資格］  

企業、団体、個人、グループ、年齢、性別、職業、国籍は問いません  

［応募期間］  

2025年10月14日（火）～12月22日（月）18：00  

提出データアップロード受付：2025年12月22日（月）18：30まで  

※希望者のみ 実物作品必着日：2025年12月22日（月）  

［審査方法］  

⼀次審査：提出データによる審査（2026年1月中旬）  

最終審査：プレゼンテーション審査（2026年3月中旬）  

※最終審査に向けた審査員との個別相談会を実施予定（2026年2月上旬）  

［結果発表］  

一次審査結果：通過・落選ともに2026年1月中旬にメールにて通知  

最終審査結果：最終審査会終了後、同日に開催するセレモニー内で発表  


詳細は「サンゲツデザインアワード」公式WEBサイトをご覧ください。  
[https://www.sangetsu-award.jp/](https://www.sangetsu-award.jp/)  


●サンゲツデザインアワード 2024イベントレポート
[https://www.sangetsu-award.jp/2024/award.html#navi](https://www.sangetsu-award.jp/2024/award.html#navi)  


[ 本件に関する照会先 ]  

株式会社サンゲツ　サンゲツデザインアワード事務局  

mail：info@sangetsu-award.jp  


株式会社サンゲツは、第9回目となるデザインコンペティション「サンゲツデザインアワード 2025」を開催し、10月14日（火）より作品募集を開始しました。

「サンゲツデザインアワード 2025」開催！ 10月14日（火）より募集開始

　「日本で一番有名な絵師は？」と聞かれて、葛飾北斎の名を挙げる人は多いでしょう。しかし、その人生や人柄、そして晩年にまで燃え続けた成長への情熱を知る人は案外少ないかもしれません。

　実は、北斎は90歳で亡くなるまで絵筆を手放さず、成長し続けた「生涯現役」の芸術家でした。彼の人生をたどることで、なぜ今も世界中から高く評価されるのか、その核心に迫ります。

## 幼少期から始まった“描く”という情熱
　葛飾北斎は1760年、江戸本所割下水（現在の東京都墨田区）に生まれました。幼い頃から絵を描くことに熱中し、なんと6歳の時には既に「物の形を写す癖があった」と後年自ら語っています。

　この頃から、彼の内面には“描くこと”そのものへの飽くなき探求心が芽生えていたのでしょう。

## 19歳で師匠の門を叩く――そして独自の道へ
　19歳で人気浮世絵師・勝川春章の門を叩き、「春朗（しゅんろう）」という画号で絵師人生をスタートさせました。

　この時期、歌舞伎役者の似顔絵や挿絵を描きながら、技術を磨きます。しかし、30歳を過ぎると勝川派を離れ、狩野派や琳派といった他流派の技法も積極的に学び始めました。

　「一つの流派にとどまらず、常に新しい表現を求める」――その姿勢は、この頃から既に現れていたのです。

## 画号を変え続けた理由――「変わり続けること」こそ、北斎の本質
　北斎は生涯で30回以上も画号を変えました。「春朗」「宗理」「北斎」「戴斗」「為一」「卍」など、まるで脱皮を繰り返す蛇のように、名前を変えては新たな境地に挑戦し続けました。

　その背景には、「画風や心境の変化を名前に映し出したい」という強い意志がありました。実際、北斎は「一つの成功に満足せず、次々と脱皮し続ける変化の人」であったと同時代の人にも評されています。

## 生活も破天荒――“引っ越し魔”に込めたこだわり
　北斎の奇人ぶりは、生活の随所にも表れます。「部屋が散らかってきたら掃除するより引っ越してしまう」という徹底ぶりで、人生で90回以上も住まいを変えたと伝わります。

　物欲や金銭への執着も薄く、食事や衣服にも無頓着。それでも、絵を描くことだけには一切の妥協を許さなかったのです。

## 多彩なジャンルに挑む――「どんな絵でも描ける絵師」
　北斎は美人画・役者絵・読本挿絵・花鳥画・妖怪画、そして何より風景画と、ジャンルにとらわれず作品を生み出しました。

　特に『北斎漫画』では、日常の動きやユーモア、人物のしぐさを軽やかに描き、後のマンガやアニメ文化にも大きな影響を与えています。

## 70歳を超えてからの大転機――『富嶽三十六景』の革新
　北斎が世界的な名声を得るきっかけとなったのが、70代で手がけた『富嶽三十六景』です。このシリーズは、江戸各地から見た富士山を描いた全46図で構成され、同じ富士山をさまざまな視点や季節、天候で表現しました。

　中でも「神奈川沖浪裏」は、巨大な波と小舟、遠景の富士山という大胆な構図で、自然と人間の対比を浮かび上がらせ、今や「The Great Wave」として世界中に知られています。

　「色彩の鮮やかさ」「西洋の遠近法の導入」など、当時としては画期的な技法が惜しみなく注がれていました。

　ヨーロッパでは印象派の巨匠ゴッホやモネにも影響を与え、ジャポニスムの流行を牽引したのです。

## 晩年も挑戦をやめなかった――「73歳でようやく草木の本性を悟った」
　北斎は『富嶽百景』の跋文で、こう記しています。

　「私は六歳より物の形を写生する癖があり  
五十歳のころから数々の図画を本格的に描いてきた  
だが七十歳までに描いたものは、実に取るに足りないものばかりであった  
七十三歳になってようやく鳥獣虫魚の骨格や草木の本性を悟ることができた」

　さらに、

　「ゆえに八十歳になればますます進歩し  
九十歳になればさらにその本質を極めて  
百歳でまさに神妙の域に達するのではないだろうか  
百何十歳となれば描く一点一格は生命をもつようになるだろう  
願わくば長寿の神よ  
私の言葉が偽りでないことを見ていてほしい」

　と綴りました。

　この言葉からも、「いくつになっても成長し続けたい」「もっと上手くなりたい」という北斎のひたむきさが伝わってきます。江戸時代の平均寿命が50歳前後だったことを考えると、70代を過ぎても新境地を開拓し続けた北斎は、生涯挑戦を続けたのです。

## 娘・応為との特別な絆――晩年を支えた家族の力
　晩年の北斎は、娘であり同じく絵師でもあった葛飾応為と共に暮らしていました。応為は父の生活を支えながら、自らも美人画などで高い評価を受けました。「北斎よりも上手い」とまで言われたこともあるほどです。

　北斎が老いても創作を続けられたのは、応為の支えがあってこそ。二人の間には、単なる親子を超えた芸術的な共鳴関係が育まれていたのです。

## 「画狂老人卍」という号に込めた覚悟
　晩年、北斎は「画狂老人卍（がきょうろうじんまんじ）」と名乗り始めました。  
「画狂」とは「絵に狂った老人」、そして「卍」は仏教的な吉祥や永遠を象徴する記号です。

　自身の人生そのものを「絵に狂った道」と定義し、どこまでも芸術の高みを目指し続けた北斎の覚悟が、この号には込められています。

　この時期には『百物語』などの怪異画や幻想的な作品も多く手がけ、内容もより独創的かつ自由なものへと進化していきました。

## 最期まで成長を求めて
　90歳という長寿を全うした北斎ですが、最期の言葉には、やはり成長への渇望が込められていました。

　「天我をして五年の命を保たしめば、真正の画工となるを得べし（あと5年生きれば本物の絵師になれるのに）」

　死の直前まで、「もっと上手くなりたい」「もっと新しい表現を追求したい」と願い続けた北斎。その情熱は、まさに人生の終わりまで燃え続けていたのです。

## まとめ――限界を決めず、成長を追い続ける勇気を
　葛飾北斎の人生を振り返ると、年齢や環境、時代の制約をものともせず、常に新しい自分を追い求め続けた姿が見えてきます。

　「今がゴールではない」「もっと良くなれる」という信念を、彼は死の間際まで持ち続けました。

　私たちの人生や仕事においても、「成長は終わらない」という北斎の生き方は、大きなヒントになるはずです。

　限界を決めず、情熱を燃やし続ける――それが、時代を超えて人々を惹きつける本当の強さなのかもしれません。


「日本で一番有名な絵師は？」と聞かれて、葛飾北斎の名を挙げる人は多いでしょう。しかし、その人生や人柄、そして晩年にまで燃え続けた成長への情熱を知る人は案外少ないかもしれません。

実は、北斎は90歳で亡くなるまで絵筆を手放さず、成長し続けた「生涯現役」の芸術家でした。彼の人生をたどることで、なぜ今も世界中から高く評価されるのか、その核心に迫ります。

## 幼少期から始まった“描く”という情熱
葛飾北斎は1760年、江戸本所割下水（現在の東京都墨田区）に生まれました。幼い頃から絵を描くことに熱中し、なんと6歳の時には既に「物の形を写す癖があった」と後年自ら語っています。

この頃から、彼の内面には“描くこと”そのものへの飽くなき探求心が芽生えていたのでしょう。

## 19歳で師匠の門を叩く――そして独自の道へ
19歳で人気浮世絵師・勝川春章の門を叩き、「春朗（しゅんろう）」という画号で絵師人生をスタートさせました。

この時期、歌舞伎役者の似顔絵や挿絵を描きながら、技術を磨きます。しかし、30歳を過ぎると勝川派を離れ、狩野派や琳派といった他流派の技法も積極的に学び始めました。

「一つの流派にとどまらず、常に新しい表現を求める」――その姿勢は、この頃から既に現れていたのです。

## 画号を変え続けた理由――「変わり続けること」こそ、北斎の本質
北斎は生涯で30回以上も画号を変えました。「春朗」「宗理」「北斎」「戴斗」「為一」「卍」など、まるで脱皮を繰り返す蛇のように、名前を変えては新たな境地に挑戦し続けました。

その背景には、「画風や心境の変化を名前に映し出したい」という強い意志がありました。実際、北斎は「一つの成功に満足せず、次々と脱皮し続ける変化の人」であったと同時代の人にも評されています。

## 生活も破天荒――“引っ越し魔”に込めたこだわり
北斎の奇人ぶりは、生活の随所にも表れます。「部屋が散らかってきたら掃除するより引っ越してしまう」という徹底ぶりで、人生で90回以上も住まいを変えたと伝わります。

物欲や金銭への執着も薄く、食事や衣服にも無頓着。それでも、絵を描くことだけには一切の妥協を許さなかったのです。

## 多彩なジャンルに挑む――「どんな絵でも描ける絵師」
北斎は美人画・役者絵・読本挿絵・花鳥画・妖怪画、そして何より風景画と、ジャンルにとらわれず作品を生み出しました。

特に『北斎漫画』では、日常の動きやユーモア、人物のしぐさを軽やかに描き、後のマンガやアニメ文化にも大きな影響を与えています。

## 70歳を超えてからの大転機――『富嶽三十六景』の革新
北斎が世界的な名声を得るきっかけとなったのが、70代で手がけた『富嶽三十六景』です。このシリーズは、江戸各地から見た富士山を描いた全46図で構成され、同じ富士山をさまざまな視点や季節、天候で表現しました。

中でも「神奈川沖浪裏」は、巨大な波と小舟、遠景の富士山という大胆な構図で、自然と人間の対比を浮かび上がらせ、今や「The Great Wave」として世界中に知られています。

「色彩の鮮やかさ」「西洋の遠近法の導入」など、当時としては画期的な技法が惜しみなく注がれていました。

ヨーロッパでは印象派の巨匠ゴッホやモネにも影響を与え、ジャポニスムの流行を牽引したのです。

## 晩年も挑戦をやめなかった――「73歳でようやく草木の本性を悟った」
北斎は『富嶽百景』の跋文で、こう記しています。

「私は六歳より物の形を写生する癖があり  
五十歳のころから数々の図画を本格的に描いてきた  
だが七十歳までに描いたものは、実に取るに足りないものばかりであった  
七十三歳になってようやく鳥獣虫魚の骨格や草木の本性を悟ることができた」

さらに、

「ゆえに八十歳になればますます進歩し  
九十歳になればさらにその本質を極めて  
百歳でまさに神妙の域に達するのではないだろうか  
百何十歳となれば描く一点一格は生命をもつようになるだろう  
願わくば長寿の神よ  
私の言葉が偽りでないことを見ていてほしい」

と綴りました。

この言葉からも、「いくつになっても成長し続けたい」「もっと上手くなりたい」という北斎のひたむきさが伝わってきます。江戸時代の平均寿命が50歳前後だったことを考えると、70代を過ぎても新境地を開拓し続けた北斎は、生涯挑戦を続けたのです。

## 娘・応為との特別な絆――晩年を支えた家族の力
晩年の北斎は、娘であり同じく絵師でもあった葛飾応為と共に暮らしていました。応為は父の生活を支えながら、自らも美人画などで高い評価を受けました。「北斎よりも上手い」とまで言われたこともあるほどです。

北斎が老いても創作を続けられたのは、応為の支えがあってこそ。二人の間には、単なる親子を超えた芸術的な共鳴関係が育まれていたのです。

## 「画狂老人卍」という号に込めた覚悟
晩年、北斎は「画狂老人卍（がきょうろうじんまんじ）」と名乗り始めました。  
「画狂」とは「絵に狂った老人」、そして「卍」は仏教的な吉祥や永遠を象徴する記号です。

自身の人生そのものを「絵に狂った道」と定義し、どこまでも芸術の高みを目指し続けた北斎の覚悟が、この号には込められています。

この時期には『百物語』などの怪異画や幻想的な作品も多く手がけ、内容もより独創的かつ自由なものへと進化していきました。

## 最期まで成長を求めて
90歳という長寿を全うした北斎ですが、最期の言葉には、やはり成長への渇望が込められていました。

「天我をして五年の命を保たしめば、真正の画工となるを得べし（あと5年生きれば本物の絵師になれるのに）」

死の直前まで、「もっと上手くなりたい」「もっと新しい表現を追求したい」と願い続けた北斎。その情熱は、まさに人生の終わりまで燃え続けていたのです。

## まとめ――限界を決めず、成長を追い続ける勇気を
葛飾北斎の人生を振り返ると、年齢や環境、時代の制約をものともせず、常に新しい自分を追い求め続けた姿が見えてきます。

「今がゴールではない」「もっと良くなれる」という信念を、彼は死の間際まで持ち続けました。

私たちの人生や仕事においても、「成長は終わらない」という北斎の生き方は、大きなヒントになるはずです。

限界を決めず、情熱を燃やし続ける――それが、時代を超えて人々を惹きつける本当の強さなのかもしれません。


葛飾北斎は、生涯にわたり画号や住居を変え続け、常に新しい表現を追求した絵師です。90歳まで成長を目指し挑戦し続け、『富嶽三十六景』など革新的な作品を生み出しました。その情熱と変化を恐れない姿勢が、今も世界中で高く評価されています。