「謙虚さをなくしたら芸はダメ」

「万菊」が映画『国宝』の中でまとうあの圧倒的な存在感。そのモデルと目される人物こそ、昭和・平成の歌舞伎界に君臨した六代目中村歌右衛門です。女形の神様と呼ばれ、数々の伝説を生み出した彼の人生は、想像をはるかに超えるドラマに満ちていました。いったい、どのようにして“国宝”と称される存在に至ったのか――。時代の波を乗り越えた彼の半生を紐解いていきます。

## 幼少期――名門に生まれ、宿命を背負う
1917年、大正時代の東京。歌舞伎界の名門・成駒屋に、後の六代目中村歌右衛門は生を受けました。父は五代目中村歌右衛門、母の実家である河村家に幼くして養子に入り、河村藤雄と名付けられます。家柄に恵まれ、何不自由ない幼少期に見えましたが、実は先天的な左足脱臼という大きなハンディキャップを抱えていました。長い闘病と手術の末、ようやく歩けるようになりましたが、その足のぎこちなさは生涯続くことになります。

## 初舞台――華やかなデビューと突然の転機
1922年、まだ5歳の秋、東京新富座の『真田三代記』で三代目中村児太郎として初舞台を踏みます。歌舞伎界のサラブレッドとして、周囲の期待は高まっていきました。しかし、順風満帆な日々は長く続きません。

1933年、歌右衛門16歳のとき、兄である五代目中村福助が急逝します。名家の後継ぎという重圧が一気にのしかかり、同年11月には父の意向で歌舞伎座『絵本太功記・十段目』の初菊で六代目中村福助を襲名。若くして成駒屋を背負う運命に立たされることとなったのです。

## 孤独と挑戦――父の死、そして修業の日々
運命の波はさらに激しくなります。1940年、父・五代目歌右衛門が死去。歌舞伎界の孤児となった若き福助のもとには、昨日までの賑わいが嘘のように人が寄り付かなくなりました。同時期、六代目尾上菊五郎が絶頂期を迎えており、周囲の人々が次々と菊五郎のもとへなびく中で、彼は孤立無援の状況に置かれます。

それでも、彼はあきらめませんでした。翌年、六代目中村芝翫（しかん）を襲名し、初代中村吉右衛門の劇団に身を寄せます。ここでの修業が、後の彼の芸を飛躍的に高めることになります。義太夫狂言を中心に、三代目中村梅玉や二代目實川延若らの薫陶を受け、古典の様式美に近代的な心理描写を取り入れるという独自の表現を磨き上げていきました。

## 輝く美貌と芸の深化――“歌右衛門伝説”の誕生
この時代、彼の美貌は歌舞伎界でもひときわ輝きを放ちます。若い女形の中では三代目尾上菊之助と並び称され、観客を魅了してやみませんでした。しかし、それだけではありません。役柄に対する深い解釈と、古典に現代的な息吹を吹き込む表現力が、次第に「伝説」と呼ばれる舞台を生み出していきます。

1948年、文部省芸術祭文部大臣賞を受賞。1951年には、歌舞伎座『妹背山女庭訓』のお三輪、『京鹿子娘道成寺』の白拍子花子、『祇園祭礼信仰記』の雪姫で、ついに六代目中村歌右衛門を襲名します。この時、口上には吉右衛門が後見を務め、金屏風の前で新たな時代の幕開けを高らかに宣言しました。

## 女形の頂点へ――新たな芸の地平を切り拓く
戦後の歌舞伎界はまさに歌右衛門の時代でした。三姫（八重垣姫・時姫・雪姫）や政岡、戸無瀬といった大役を次々に務め、『加賀見山旧錦絵』の尾上、『籠釣瓶花街酔醒』の八ツ橋、『道成寺』の白拍子花子など、数々の当たり役を生み出します。父・五代目から受け継いだ芸の型だけでなく、時代の空気や観客の心を敏感に捉え、伝統と革新の両輪で女形芸を体現しました。

この信念のもと、技芸への飽くなき追求と自己への厳しさを貫きました。その舞台は、しなやかな美しさと深い情念、そして時に妖気すら感じさせる迫力で観客を圧倒していました。とくに『加賀見山旧錦絵』の尾上で長廊下を無言で歩む場面は、会場全体を静寂と緊張で包み込む「一代の芸」と称されます。

## 新たな挑戦と社会貢献――“莟会”と国際交流
吉右衛門亡き後の1954年、自主勉強会「莟会（つぼみかい）」を発足。ここでは新作や復活狂言に意欲的に挑み、三島由紀夫による『熊野』『芙蓉露大内実記』や北條秀司による『建礼門院』『春日局』など、時代を映す女性像を現代に蘇らせました。歌右衛門が演じるヒロインたちには、古典の枠を超えたリアリティと哀しみ、そして母性が色濃く表現され、多くの観客の心を捉えました。

また、国際的な歌舞伎の発信にも尽力。1960年のアメリカ本土公演を皮切りに、ソ連、ハワイ、カナダ、イギリス、ドイツ、フランス、オーストラリアなど世界各地で舞台を披露しました。1975年にはエリザベス女王の前で公演を行い、日本の伝統芸能を世界へと広める先駆者となりました。

## 晩年――伝統の守り手として、次世代へ
1980年代後半になると、長年酷使した足の衰えが顕著になり、舞台の数も徐々に減っていきます。それでもなお、「一世一代」と銘打った興行で大役を丁寧に務め、惜しまれながらも一つひとつの役に別れを告げていきました。

平成に入ると、舞台監修や後進の指導に精力を注ぎます。四代目中村雀右衛門、五代目坂東玉三郎、九代目中村福助らを熱心に育て、古典の演出や心の在り方まで細やかに伝えました。芸術監督という責任の重い立場も担い、歌舞伎全体の未来を見据えた活動を続けました。

## 栄誉と人間性――“国宝”と呼ばれる理由
六代目中村歌右衛門は、その芸だけでなく人間としても多くの人々から敬愛されてきました。史上最年少で日本芸術院会員となり、人間国宝、文化勲章、数々の演劇賞に輝きました。日本俳優協会や伝統歌舞伎保存会の会長としても長年尽力し、歌舞伎界の発展に多大な貢献を果たしました。

舞台の厳しさと裏腹に、日常では非常に丁寧な言葉遣いと柔らかな物腰が印象的でした。些細な場面でも相手を思いやる気配りを忘れず、誰に対しても誠実に接したと言われています。一方で、決して流されず、自分の信念を貫く強さも兼ね備えていました。

例えば、車の誘導係のアルバイトにも丁寧に接したエピソードが伝わっています。予定の時間より30分前に歌右衛門が会場に入っていたことに気づかなかったアルバイトが、慌てて挨拶に行った時に、演劇界の重鎮と話していた歌右衛門が話を中断してまで、立ち上がり頭を下げました。逆に30分前に会場入りしてしまいご迷惑をおかけしたと丁寧に謝ったそうです。

また、三島由紀夫や長谷川一夫、市川右太衛門など、時代を代表する文化人との交流も多く、互いに芸を高め合う良きライバル・親友として刺激を受け続けました。三島由紀夫は歌右衛門のために新作歌舞伎を書き下ろし、絶賛の言葉を惜しまなかったことは有名です。

## 最期まで“女形”として――伝説は生き続ける
1996年、最後の舞台を終え、療養生活に入ります。その後も、歌舞伎の監修や指導を通じて後進に情熱を注ぎました。そして2001年、桜と雪と月――まさに当たり役の「墨染」に象徴される美しい季節に、84歳でその生涯を閉じました。

映画『国宝』の万菊に彼の面影を重ねたとき、なぜその存在が“国宝”と呼ばれたのか、その理由が鮮やかに浮かび上がります。伝統を守り抜き、時代の変化と共鳴し、比類なき美と心を舞台に刻んだ六代目中村歌右衛門。その半生は、今もなお歌舞伎という芸能に深い影響を与え続けています。

## まとめ――“国宝”に込められた意味
六代目中村歌右衛門は、名門に生まれながらも、幾多の困難や孤独、そして時代の波にさらされながら、誰よりも強く舞台と向き合い続けました。その芸と人格は、昭和・平成の歌舞伎界にとってまさに“国宝”と呼ぶにふさわしいものでした。

今一度、彼の生き方や芸の本質に思いを馳せてみてはいかがでしょうか。きっとそこには、時代を超えて受け継がれる「美」と「心」の物語が、静かに息づいているはずです。


六代目中村歌右衛門は、名門に生まれながらも病や孤独、時代の波を乗り越え、女形の頂点として昭和・平成の歌舞伎界を牽引。伝統と革新を体現し、人間国宝として多くの後進を育て、誠実な人柄でも人々に愛された伝説的存在です。

国宝と呼ばれた男――六代目中村歌右衛門、その波乱と栄光の生涯

坂東玉三郎――その名は、日本の伝統芸能を超えて世界の舞台芸術の象徴となりました。

舞台に立つその一瞬の“美”の裏側には、圧倒的な努力、葛藤、そして孤高の美学が刻まれています。本稿では、現代最高の女形と称される坂東玉三郎の人生と芸の軌跡をひもとき、その魅力の核心に迫ります。

## 料亭の五男に生まれる――幼少期から芸への目覚め
1950年、東京都大塚の料亭に五男として生まれた坂東玉三郎（本名：楡原伸一）は、幼い頃から体が弱く、小児麻痺の後遺症に苦しんでいました。家族の温かな愛情に包まれながらも、病院での孤独な治療やリハビリが日常の一部となり、「普通に歩く」ことすら簡単ではなかったのです。

しかし、彼の人生を大きく変えたのは、5歳のときに初めて観た歌舞伎の舞台でした。当時の大女形・六代目中村歌右衛門の圧倒的な美しさと華やかさに心を奪われ、「あんな世界に自分も立ってみたい」と幼心に思うようになったといいます。体を強くする目的もあり、幼稚園には通わずに日本舞踊を始め、やがて歌舞伎俳優・十四代目守田勘弥の妻で舞踊家の藤間勘紫恵に師事しました。この「踊り」との出会いこそが、玉三郎の人生を決定づける第一歩となります。

## 初舞台と歌舞伎界への道
踊りの稽古を重ねるうちに、その才能と情熱は周囲の目にも明らかになっていきました。7歳のとき、渋谷の東横ホールで坂東喜の字（ばんどうきのじ）の名で「寺子屋」の小太郎役として初舞台を踏みます。これは、子役としても大役であり、観客からも高い評価を受けました。

その後も子役として守田勘弥の舞台に立ち続け、14歳のときに「五代目坂東玉三郎」を襲名。守田勘弥の芸養子となり、本格的に歌舞伎の世界で生きていく決意を固めます。「これからは専門家として、今までの甘い生活はできないよ」と師匠に告げられ、朝から晩まで稽古漬けの日々が始まります。舞踊、三味線、鳴り物、義太夫など、あらゆる芸に真摯に向き合いました。

## 身長という“逆境”と、芸へのこだわり
歌舞伎女形としては大きすぎると言われる173センチの身長。舞台に立つと、他の女形より明らかに背が高く、時には観客の失笑を買うこともあったといいます。

しかし、玉三郎はここでも工夫と努力を惜しみませんでした。膝を折り、肩をすぼめ、立ち姿や動きで背を低く見せる方法を徹底的に研究。「美人画や浮世絵の女性像を参考に、自分の身体の見せ方を作り上げた」と語っています。身体への負担は大きかったものの、美の追求を最優先に、日々の稽古と舞台に全力を注ぎました。

## 若き才能、そして“玉三郎ブーム”の到来
10代後半からは次々と大役に抜擢され、その美しさと芸の力に、作家の三島由紀夫や澁澤龍彦らも注目。19歳で芸術選奨新人賞を受賞し、若くして「玉三郎ブーム」と呼ばれる社会現象を巻き起こします。

歌舞伎十八番の「鳴神」では十二代目市川團十郎の相手役・雲の絶間姫を演じ、「海老玉コンビ」として絶大な人気を博しました。また、「桜姫東文章」での十五代目片岡仁左衛門（当時・片岡孝夫）との共演は「孝玉コンビ」と呼ばれ、歌舞伎ファンの間で語り草となっています。

## 養父・守田勘弥との別れ、そして苦悩の時代
1975年、法的にも守田勘弥の養子となり、名実ともに大名跡を継ぐ存在となりました。しかし、同年に最愛の師匠であり養父でもある守田勘弥が逝去。心の支えを失い、人気役者となった重圧も重なり、精神的なバランスを崩すことになります。

実は、玉三郎は若い頃から過労やプレッシャーによる「鬱」とも戦ってきました。2年半、1日も休まずに舞台に立ち続けた結果、食事も喉を通らず、立っているだけで辛い日々が続いたと振り返っています。そのたびに「踊れなくなるときが来るかもしれない」という危機感から、また新たな舞台へと、自分を奮い立たせて身を置いてきました。

## 歌舞伎を超えた表現者へ――海外進出と新たな創作
30代になると、その活動は歌舞伎の枠を飛び越えていきます。ニューヨーク・メトロポリタン歌劇場への招聘、世界的アーティストとのコラボレーション、映画や新劇の演出にも積極的に取り組みました。ヨーヨー・マとの共演による創作舞踊、バレエ界の巨匠モーリス・ベジャールとの「リヤ王～コーデリヤの死」など、その芸域は国内外で高く評価されるようになります。

また、バレエへの情熱も強く、10代半ばから学んだ成果はプロのバレリーナと並んでも遜色ないほど。歌舞伎だけでなく、邦楽・和太鼓など異分野の舞台演出にも活躍の場を広げ、演劇界全体への貢献も続けています。

## 美と健康への徹底したこだわり
坂東玉三郎の生活は、舞台のための自己管理と美へのこだわりに貫かれています。自宅の照明はほぼ蛍光灯を使わず、自然な光やランプを好むという逸話も有名です。衣装の色合わせも、職人と直接会って確認するなど、細部にまで徹底した美意識が行き届いています。

食事も、脂身のない牛肉や野菜を中心に、純度の高いものだけを摂取。暴飲暴食や夜更かしは一切せず、打ち上げの席でも早々に帰宅し、トレーナーに体をほぐしてもらった後はすぐに休むというストイックな日常を送ってきました。

## 後進への惜しみない伝承と、歌舞伎界の未来
1996年、昭和の大女形・六代目中村歌右衛門が舞台を離れると、玉三郎は名実ともに女形の最高峰として歌舞伎界を牽引する存在となります。しかし、彼は決してその座に安住することなく、自らが受け継いだ名役・大役を積極的に若手へと伝授。「阿古屋」「政岡」「八重垣姫」など、かつては独占されがちだった名役も、玉三郎の指導のもとで次世代に受け継がれています。

2012年には立女形として初めて重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定され、紫綬褒章、文化功労者、日本芸術院会員など、数々の栄誉も手にしました。芸だけでなく、熊本県八千代座の保存や、演劇私塾「東京コンセルヴァトリー」設立など、伝統文化の継承・発展にも尽力しています。

## 家族観と人生観――なぜ結婚しないのか？
歌舞伎の家に生まれたわけではなく、養子として家を継いだ玉三郎は、いまだ結婚歴がなく、家庭を持つこともありません。梨園では「跡継ぎ」を重視する慣習がありますが、玉三郎は「家族とは血縁だけでなく、共に歩んできた仲間や友人も含まれる」と語り、無理に家を継がせることや結婚に執着することなく、「自然の流れに任せて生きてきた」と静かに述懐します。その生き方には、芸への献身と誠実さが色濃く表れています。

## 現在、そしてこれから
年齢や体力の限界を感じながらもなお、坂東玉三郎は舞台に立ち続けています。

2019年以降は地方での短期公演からは引退し、大役の多くを若手に譲りつつも、歌舞伎座などで観客の熱い期待に応えています。2020年にはNHK大河ドラマ『麒麟がくる』で正親町天皇を演じ、初のテレビドラマ出演も果たしました。

「もう限界ですね」と語る一方、

「舞台に立つこと以外、何もできなかったし、好きだから続けてきた」

と、その芸道一筋の人生を振り返ります。生まれ変わってももう一度坂東玉三郎になりたいか？という問いには、「何にも生まれ変わりたくない」と潔く笑ってみせる姿もまた、彼らしい矜持といえるでしょう。

## まとめ
坂東玉三郎の人生は、華やかな舞台の裏に、並外れた努力と飽くなき探究心、そして孤高の美学があります。歌舞伎という伝統の世界で、その枠を超えた創造性と自己変革を続け、後進の育成にも全力を注いできたからこそ、彼は「人間国宝」と呼ばれるにふさわしい存在なのです。

「美しさは奇跡」とまで称されるその芸と生き方。その軌跡を知ることで、きっとあなたの心にも新たな刺激と感動が生まれることでしょう。もし機会があれば、ぜひ一度、坂東玉三郎の舞台を目撃してみてください。その一瞬一瞬に込められた人生の重みと芸の深さが、きっとあなたの価値観を揺さぶるはずです。


坂東玉三郎は、病弱な幼少期を乗り越え歌舞伎界で女形の頂点に立ち、独自の美学と努力で世界的芸術家となりました。伝統を守りつつ革新も追求し、後進の育成や文化継承にも尽力。人生を芸に捧げる姿勢は多くの人に感動を与え続けています。

「美は努力の結晶」坂東玉三郎――その人生が芸術になるまで

映画「国宝」で話題沸騰中の歌舞伎の世界。「歌舞伎」と聞いて、みなさんはどんなイメージを持たれるでしょうか？  
派手な衣裳、独特な化粧、豪快な舞台装置、大きな見得のポーズ――。  
現代でも多くの人々を魅了する日本の伝統芸能ですが、その裏には約400年以上続くドラマと進化の歴史があります。  
今回は、歌舞伎の誕生から現代までの歩みについてご紹介いたします。

## 歌舞伎とは何か――型破りから始まったエンターテインメント
まず押さえておきたいのは、「歌舞伎」の語源です。この言葉は、かつて“常識から外れた行動や奇抜なファッション”を指した「傾く（かぶく）」から生まれました。今で言う「アウトロー」に近い存在が、江戸時代初期の世の中で大きな注目を集めたのです。
### 出雲阿国――歌舞伎の始まりは一人の女性から
歌舞伎のルーツは1603年、京都で活動していた「出雲阿国」という女性芸人にさかのぼります。彼女は、宗教的な踊りや寸劇に加え、当時流行していた風流踊りや男装、異国風の衣裳などを大胆に取り入れ、民衆の心を掴みました。  
この「かぶき踊り」の爆発的な人気が、やがて全国に広がり、女性たちの「女歌舞伎」、少年たちの「若衆歌舞伎」へと発展します。しかし、あまりに自由過ぎたがゆえに、幕府から“風紀を乱す”として禁止令が出されることになります。
### 規制を乗り越えて進化した「野郎歌舞伎」
禁止令を経て、最終的に舞台に立てるのは成人男性だけとなりました。こうして誕生した「野郎歌舞伎」は、現代の歌舞伎の基礎となり、女性役も男性が演じる独自のスタイルが確立されます。  
この時代に、「台詞中心の演劇」「女方（おんながた）」といった歌舞伎ならではの技法や、舞台転換を巧みに行う幕や装置が発展し、現代の演劇にも大きな影響を与えています。

## 都市とともに花開いた歌舞伎の黄金期
江戸時代の元禄年間（1688〜1704年）は、都市文化と経済の発展により歌舞伎が一気に大衆芸能として開花します。
- **江戸では「荒事（あらごと）」**  
勧善懲悪のヒーローが活躍し、初代・市川團十郎の豪快さが人気を博しました。
- **上方では「和事（わごと）」**  
繊細な恋愛や人情の機微を描き、坂田藤十郎や芳沢あやめといった名優が芸を磨きました。  
　

名作の誕生、劇場装置や舞台技術の革新、そして「歌・舞・芝居」が融合した総合芸術として、歌舞伎は日本の大衆文化の中心に躍り出たのです。

## 時代を映す鏡――明治・昭和・現代へ
明治維新以降、西洋文化の流入や社会の近代化を背景に、歌舞伎もまた変革の時代を迎えます。  
9代目市川團十郎は「誰もが楽しめる文化」としての歌舞伎を目指し、演劇改良運動に取り組みました。  
戦後は一時的に上演禁止となるものの、文化としての価値が再認識され、海外公演を重ねるなど国際的な舞台芸術へと発展していきました。  
さらに現代では、アニメや現代劇の要素も取り入れ、伝統と革新が共存するエンターテインメントとして進化し続けています。

## 歌舞伎役者の「屋号」と「襲名」――名前に込められた伝統と誇り
歌舞伎の世界に足を踏み入れると、耳にするのが「屋号」と「襲名」という言葉です。
### 屋号――一門ごとのブランドと物語
屋号とは、役者の家系や芸の流派を象徴する「ブランド名」のようなものです。
- **市川團十郎家＝成田屋（なりたや）**  
成田山新勝寺との縁に由来
- **尾上菊五郎家＝音羽屋（おとわや）**  
京都・清水寺音羽の滝に由来
- **中村勘三郎家＝中村屋（なかむらや）**  
歌舞伎座の座元にルーツ
- **中村歌右衛門家＝成駒屋（なりこまや）**  
将棋の駒から「出世を願う」意味が込められています  
　

観客が「○○屋！」と声援を送るのは、家や芸へのリスペクトの証。屋号を知ることで、歌舞伎の血縁や芸の系譜、役者同士のつながりがより深く見えてきます。
### 襲名――名前は「芸」と「覚悟」の継承
歌舞伎役者の名前（名跡）は、まさに“看板”そのもの。出世魚のように、成長や芸歴に応じて名前が変わっていきます。
- **幼名（新之助、丑之助、金太郎など）**  
子役時代に名乗る名前
- **中堅名（染五郎、菊之助など）**  
実力や人気が認められたときに名乗れる
- **止め名（團十郎、菊五郎、白鸚など）**  
最高位の名跡。家の頂点を示します  
　

有名な例として、松本金太郎→市川染五郎→松本幸四郎→松本白鸚と代々受け継がれる流れが挙げられます。  
襲名は単なる名前の変更ではなく、「家の芸」「流派のスタイル」を受け継ぎ、次世代へ伝える“宣言の場”でもあります。
### 実力主義の世界――生まれだけでは名跡は継げない
「名門の家に生まれれば誰でも主演になれるのでは？」と思う方も多いかもしれませんが、歌舞伎界は実力主義。芸の道を極め、観客や業界の信頼を得てこそ名跡を襲名できるのです。  
また、血縁に限らず、一般家庭から一流役者となるケースも珍しくありません。実際、人間国宝にまで上り詰めた坂東玉三郎さんや、片岡愛之助さんなどが良い例です。

## 歌舞伎から生まれた、日常に息づく言葉
意外かもしれませんが、私たちが普段何気なく使っている日本語の中には、歌舞伎生まれの言葉がたくさんあります。
### 「黒幕」
歌舞伎では、黒色は見えていないものというお約束があります。「黒幕」は場面の転換などに使われ、「見えていないが重要な役割」から転じて、現代では“裏で物事を操る人”を「黒幕」と呼ぶようになりました。
### 「どんでん返し」
舞台の場面転換で、L字型の大道具を一気に倒して背景をガラリと変える「龕灯返し（がんどうがえし）」が語源。大太鼓の「どんでんどんでん」という音とともに、話の流れを一瞬でひっくり返す様子から、「どんでん返し」という言葉が生まれました。
### 「黙り（だんまり）」
歌舞伎には、暗闇の中で無言のまま演じる「だんまり」という演出があります。ここから「黙り込む」「何も言わない」状態のことを「だんまり」と呼ぶようになりました。
### 「なあなあ」
悪だくみの場面で、役者同士が口パクやしぐさで意思を通じた後、「なあ」と呼びかけて「なあ」と返す――。このやり取りから、「なあなあで済ます」「お互いに妥協する」という意味が定着しました。

## 歌舞伎の舞台裏にある“仕掛け”と美学
歌舞伎の魅力は、役者や物語だけではありません。舞台装置や衣裳、音楽など、あらゆる要素が一体となって観客を非日常へと誘います。
- **廻り舞台（まわりぶたい）**  
世界の演劇界でも広まった、歌舞伎発祥の360度回転する舞台
- **花道（はなみち）**  
役者が客席を通って登場し、観客との一体感を生み出す  
　

そして、拍手や声援、柝（き）やツケ木による効果音など、観客も一体となって舞台を盛り上げる文化が根付いています。

## まとめ：伝統と革新が共存する、唯一無二の舞台芸術
歌舞伎は、時代の流れとともに幾度も変革を経験しながら、日本人の心に寄り添い続けてきました。  
役者の名前や家系に込められた誇り、舞台を彩る無数の仕掛け。一度でも歌舞伎の世界に足を踏み入れれば、その奥深さと面白さに驚かれるはずです。  
歌舞伎は、私たちの想像を超える“進化する伝統”なのです。


歌舞伎は400年以上の歴史を持つ日本の伝統芸能で、出雲阿国による誕生から現代まで進化を続けてきました。独自の舞台技術や役者の襲名制度、日常語となった言葉など、多彩な文化的背景を持ち、伝統と革新が共存する唯一無二の芸術です。